Friday, November 2, 2018

Mourning [A] BLKstar - The Garner Poems (ELECTRIC COWBELL RECORDS 2018)

Creating songs of both eulogy and revolution, the expansion of 21st century black consciousness is felt in waves through Ohio’s Mourning [A] BLKstar. A force that has deep conviction, purpose, and weight, songs are voiced through a lens of chopped up drum grooves, stark melodies, washed-out synth tones, and historic sample pulls.

On their sophomore album, The Garner Poems (out October 26th on Electric Cowbell), the group traffics their signature gritty strain of DIY Afrofuturist soul music, balancing hip-hop production techniques with lo-fi experimentation to create a sonic suite that eulogizes victims of police brutality, including Tamir Rice and Eric Garner, as well as bringing forth a conversation that aligns with the political and emotional state of this world. The Garner Poems are modern day spirituals of reverence and despair that serve as both a force of light and a schematic for hope, survival, and independence.

Bandleader, producer, and keyboardist, RA Washington expresses what makes this new album special, “For us this record is a reflection of our growth as a group and the permanent addition of instrumentalists Theresa May (trumpet), William Washington (trombone). While the first record was really an experiment, this record represents a deep concern with us. Can we be of service to our celebration and our mourning? Can we be authentic in our collective response to oppression? In many ways I began many of the pieces thinking of Duke Ellington’s concept of the ‘78 suite (78 RPM) and how could we within the confines of a pop lexicon extend the conversation to be interconnected song after song without seeming forced. I think we achieved that and it’s an exciting time to be creating even in the midst of so much uncertainty.”

The Garner Poems is ten tracks strong, which RA elaborates, “For many compositions for “Garner” I wanted to explore the dirge both as an extension of our genetic memory but also to implore the ancestors to visit in celebration and affirmation of our time making this country now called America. “These Stars Collide” “The Box” and the title song “Garner Poem” has some element of the funeral dirge that goes back to field chants and the talking drum.”

Mourning [A] BLKstar describes themselves as “a multi-generational, gender and genre non-conforming amalgam of Black Culture dedicated to servicing the stories and songs of the apocalyptic diaspora.” The name of the group finds a shared passageway to multiple worlds and reflects the importance of the music, showing honor and acknowledgement to the lives that’ve died at the hands of police, along with the beauty and expressive legacy of African-American artistry.

RA concludes, “Rarely are you given the platform to make conceptual art and place it in a commercial marketplace, so we are humbled and committed to making art that speaks to our political concerns and allows for the human joy that is funky ass drums and great grooves in service and in revolt. Riot music for the last days.” The Garner Poems is a perfect example of art created through resilience, spirit, and community that continues to strengthen in modern times in the face of police brutality, hate rhetoric, and divisive politics.


RA Washington – keys/production/vocals
James Longs – vocals
Kyle Kidd – vocals
LaToya Kent – vocals
Dante Foley – drums
Peter Saudek – drums
Theresa May – trumpet
William Washington – trombone


Andersiin – synth noise
Ahmadeus Kafari – keys/vibes


1. Anti Anthem
2. Emancipation
3. Destiny Skies
4. Harlem River Drive
5. Bullet
6. Garner Poem
7. 2020
8. Sense Of An Ending
9. The Box
10. Three Stars Collide

Mattin - Songbook #7 (2018)

Songbook #7 features Farahnaz Hatam, Colin Hacklander, Lucio Capece, Moor Mother, Cathleen Schuster & Marcel Dickhage and was recorded in November 2017 at Digging the Global South Festival in Cologne, while Europe was (still is) slowly going down. Exactly 100 years ago Europe was really crumbling. However, there was a proposition for a collective future in process. This songbook takes two moments as historical inspiration in order to rethink the present: 

1) The first seven months of 1917 in revolutionary Russia. 

2) The figure of Germaine Berton (pictured on the cover), the anarchist who in 1923 was accused of murdering Marius Plateau, director of the far-right organization French Action League. 

In a time of war and fascism, those were two very different answers: a collective attempt at social transformation and a desperate lonely gesture. Neither response really managed to succeed to overthrow capitalism but they had a motivation and a clear way to act, something that seems to be lacking right now. If previous songbooks dealt with the tension between improvisation and song structure, between an emphasis on the production of the moment and having a conceptual framework, here the tension is produced by conflating the present with the past, and in doing so the tension between communism and anarchism is also explored. The tension between the individual and the collective is also present in the making of the record (especially in track 6, a discussion of its own objectives and degrees of success). A review of “Songbook #6” actually took Mattin as the name of the group, which puts into question what Mattin is: just another example of the fiction of selfhood. 

“Songbook #7” digs into some of the most important issues today: dissolution and disappointment of the social fabric, the rise of fascism, lack of coherence in a collective vision for the future and the shortcomings of democracy in a capitalist system. These times feel like being stuck in a gif, and here the response is to look for different understandings of time and history. 

If you want some musical references you can imagine one of those collaborations between Red Crayola and Art and Language if it was produced by Roberta Settels, or if Rabit was asked to do a remix of Nono’s “La Fabbrica Illuminata”, taking into account the Altoforno di Cornigliano factory’s demolition in 2005. This great line-up tries to think the present through the lenses of radical historical moments and in doing so it achieves a music both arcane and futuristic. Layers of avant-garde tradition culminate into a set of songs that go beyond themselves. In times of increasing desperation here emerges a strange record: a disintegrated manifesto exploring the truth of disagreement. 

This record was made collectively by: 

1. January 07:00
2. February 07:00
3. March 07:00
4. April 07:00
5. May 07:02
6. June 07:00
7. July 10:43

Recorded live at Digging The Global South Festival on the 2th of November 2017, Stadtgarten, Cologne

Mixed by Mattin, April-July 2018 at the Burger of Christ, Berlin Mastered and cut by Rashad Becker at Dubplates & Mastering, Berlin

Benjamin Deschamps - No Codes (2018)

Benjamin Deschamps, saxophonist and composer presents the new music collective No Codes. The album was released on September 7th 2018

Following the release of his second record Demi-Nuit in 2017, Benjamin – who was named Révélation Radio-Canada Jazz 2017-2018 – puts together the music collective No Codes.

The quartet, made up of rising star canadian saxophonist Benjamin Deschamps (alto sax), highly acclaimed veteran Frank Lozano (tenor sax), Sébastien Pellerin (bass) and Louis-Vincent Hamel (drums), takes its inspiration freely from the standards of the great American song book to recreate new compositions.

After presenting his two first records all around Canada and being nominated for the Halifax Jazz Festival TD Rising Star award and the Montreal Internation Jazz Festival TD Grand Award, Deschamps is presenting us this new project with an urge of performing.

Borrowing from the rhythms and the colours from the Andes, Motown or even Free Jazz, No Codes offers a musical research inspired from the Jazz tradition without actually copying it in its form.

The band, without any instrumental or harmonic support, bets on its interaction, its listening and its spontaneity. The record No Codes is the product of a collective work of research and a desire to explore and to push the boundaries of music. This is one of the last record to be ever recorded in the mythical Studio 12 in Montreal's CBC and they achieved to capture a very intimate sound worthy of the golden years of the great jazz recordings.

Benjamin Deschamps, Alto saxophone
Frank Lozano, Tenor saxophone
Sebastien Pellerin, Bass
Louis-Vincent Hamel, Drums

01. Rules of Compression
02. Cream Muffin Treat
03. Song For Daniel
04. Interlude 1
05. Cool Cats
06. No I Didn't
07. Double Meaning
08. Interlude 2
09. Quick Fix
10. Reconciliation
11. My Steps

Diego Imbert - Urban (November 23, 2018)

Avec près d’une quarantaine d’albums à son actif et 14 concerts à honorer d’ici la fin de l’année 2018, Diego Imbert est un homme actif et un musicien prolixe, pour ne pas dire un homme hyper occupé. Pas moins de 9 modalités différentes pour les représentations à venir et la sortie de ce nouvel opus avec les 2 concerts de lancement prévus à cet effet les 17 et 18 janvier 2019. Il a fait appel aux membres de son Quartet, avec ses trois muciens: David El Malek au saxophone alto, Quentin Ghomari à la trompette et au Bugle et Franck Agulhon à la batterie et aux percussions.

Mais il a également sollicité Pierre-Alain Goualch  au Frender Rhodes et aux claviers, Pierrick Pedron au sax alto et Bastien Ballar au trombone. Tout ce petit monde forme l’Electric Septet Ensemble et ils jouent les 8 nouvelles compositions du bassiste/ contrebassiste. Ils nous invitent à un concert de près de 45 minutes qui est comme un aller-retour permanent entre les années soixante-dix et maintenant. Hier pour les lignes de basse et aujourd’hui pour ce qui est des arrangements confiés à Eric Legnini, qui est un grand parmi les grands! Avec cet excellent opus Diego Imbert vous offre le moyen de passer un super moment baigné de notes jazz fantastiques.

Un album qui sera également une merveilleuse initiation au jazz pour tous ceux qui n’ont pas encore apprécié ce style de musique.

1 Moovies 00:07:16
2 Urban 00:05:44
3 Marchin' 00:06:51
4 Bridges 00:06:21
5 Brixton Market
6 Delayed 00:05:40
7 Twins 00:03:17
8 Werewolf 00:06:30

Concerts de lancement d'album : 17 et 18 janvier 2019 au SUNSET

Marc Berthoumieux - Le Bal des Mondes (Sous la ville November 16, 2018)

LE BAL DES MONDES est une révérence à toutes les musiques du monde, celles qui font danser, celles qui incitent au voyage. Les compositions se situent entre le jazz, la pop et la musique du monde. Elles puisent leur inspiration en France, aux États-Unis, au Brésil, dans la Caraïbe, à Madagascar, en Espagne, au Maroc et proposent même d’aller découvrir ce qui se cache derrière la Lune…

Cet album contient la chanson « Fleur Bleue » avec la voix de Claude Nougaroet rend également hommage à des artistes importants pour le compositeur : Marcel Azzola et Lina Bossati, Régis Gizavo, Jo Privat, Dee Dee Bridgewater, Maurane, Didier Lockwood et Pat Metheny.

Pj5 - I Told The Little Bird (JAZZ&PEOPLE November 2, 2018)

Dans le paysage du jeune jazz français actuel, Pj5 n’offre pas la moins pertinente des propositions musicales. Ce groupe au sens plein du terme doit son identité avant tout à un son, qui combine ses couleurs pop-rock à sa culture de l’improvisation, capable d’allier une densité dérivée du death metal avec des formes de musiques de chambre contemplative, aux confins du minimalisme et de la folk, tout en développant sa sensibilité jazz ultra contemporaine. Lauréat du dispositif « Jazz Migration », constitué depuis plusieurs années par des musiciens de la même génération particulièrement soudés, Pj5 signe un troisième disque au déroulé cinétique, dont les accents épiques alternent avec la simplicité de ritournelles, les orages électriques avec de délicats tramages sonores. Pensé en écho aux mystères et aux périls de l’existence, « I Told The Little Bird » résonne d’un état du monde qui oscille magnifiquement entre lumière et chaos, désespérance et espoirs, distorsion et résolution. Avec la participation de la chanteuse Isabel Sorling et de Jozef Dumoulin au Fender Rhodes, un album en forme d’odyssée sonore. 

In the current landscape of young French jazz, Pj5 offers one of the most pertinent musical propositions. This is a group in the full meaning of the term, whose identity comes above all from a sound: a certain capacity to densify the derivative sound of death metal, with the shapes of contemplative contemporary chamber music, the borders of minimalism and folk, fuelled with their personal contemporary jazz sensibility and improvisations. A laureate of the ‘Jazz Migration’ program for upcoming talents, composed of five French musicians from the same generation, Pj5 releases a third album displaying a band striving for purity and nuance, energy and intensity in order to accomplish a music capable of moving from epic accents to the simplicity of jingles, from electric storms to delicate sound patterns. Echoing the mysteries and perils of existence, "I Told The Little Bird" resonates with a state of our world that oscillates magnificently between light and chaos, despair and hope, distortion and resolution. Featuring Swedish singer Isabel Sörling and Belgian improv wizard Jozef Dumoulin on the Fender Rhodes, an album in the shape of a sound odyssey. 

Paul Jarret, Guitar
Maxence Ravelomanantsoa, Tenor Saxophone
Léo Pellet, Trombone
Alexandre Perrot, Double Bass
Ariel Tessier, Drums
Isabel Sörling, Voice
Jozef Dumoulin, Fender Rhodes

1. Cycles (The Egg)
2. The Nest, Part One
3. The Nest, Part Two
4. Peaceful Struggle
5. Cycles (The Flight)
6. Lilla Fagel
7. Response (For Eileen)
8. Horizon
9. Where Do Butterflies Sleep
10. Cycles (The Soil)

Edward Perraud - Espaces (2018)

« Retrouver une mystique des intervalles et ses mouvements secrets », telle est l’ambition d’Edward Perraud, batteur et compositeur fasciné par les correspondances entre physique et musique, astronomie et poétique. Toutes déterminées selon un intervalle précis ­(espace par où deux notes entrent en ­polarité), les quatorze compositions de ce disque s’ouvrent aussi à la synesthésie grâce aux photos et au texte de Perraud reproduits dans le livret.

Le geste est impressionnant, à la fois réfléchi et instinctif, adressé aux sens comme à l’intelligence. Pour l’accomplir, Perraud s’en est remis à Paul Lay (piano) et Bruno Chevillon (contrebasse), deux musiciens dont la grâce s’accorde à merveille à sa propre finesse d’esprit et de jeu. La musique d’Espaces ne s’analyse pas, elle se reçoit avec le sentiment d’une hauteur particulière, d’une étrangeté qui n’exclut pourtant pas le familier, comme si son écoute permettait de retrouver un signal autrefois proche, depuis longtemps perdu.

Ce mystère « si loin, si proche » incessamment con­voqué par le trio se révèle d’une grande beauté qui ne s’estompe jamais, tout au long de cet album majeur.

Edward Perraud © Maarit Kytoharju

Paul Lay, piano
Bruno Chevillon, contrebasse

1 Élévation 00:03:20
2 Collapse 00:06:43
3 Tone It Down 00:05:35
4 Melancholia 00:04:31 
5 Space Time 00:04:42
6 Tocsin 00:06:58
7 Sixième sens 00:01:57 
8 La dernière carte 00:03:31 
9 Just One Dollar 00:06:49 
10 Cinéma 00:03:06 
11 Laps 00:03:54
12 L'âge d'or 00:06:46
13 Hiatus 00:03:16
14 Singularity 00:03:43

Jacques Vidal Quintet - Hymn (2018)

Après avoir consacré, ces dix dernières années, plusieurs disques à la musique de Mingus, Jacques Vidal nous revient avec onze compositions personnelles pour « Hymn », sorti vendredi dernier chez Soupir. 

Cette envie de renouer avec l’écriture était latente… Jacques Vidal avait volontairement arrêté la composition pour se plonger dans des oeuvres musicales d’autres illustres compositeurs qu’il prenait un immense plaisir à jouer. Jusqu’à ce que le désir de créer à nouveau réapparaisse fortement. Mais comment se surprendre soi‐même pour mieux surprendre les autres, que ce soit ses partenaires ou les auditeurs pour qu’il se produise véritablement quelque chose de nouveau ? Comment élaborer des climats différents en préservant la cohérence et l’homogénéité de l’ensemble ? Jacques VIdal était dans cette réflexion là. Il avait déjà en tête les musiciens, voulait réintroduire le piano, absent de ses dernières formations. Lui restait à écrire.

Et puis arrive l’accident de vélo… qui l’immobilise plusieurs semaines. Plus moyen de jouer de la contrebasse avec une épaule démise, ni de s’échapper sur des chemins de traverse en deux roues. Alors l’évidence le rattrape. Comment passer le temps de la convalescence si ce n’est en composant. Comment ne pas perdre le moral si ce n’est en écrivant et en intitulant des titres tels que Hymn ou Spirit. Les morceaux arrivent les uns après les autres facilement.

Une fois rétabli, Jacques Vidal réunit les musiciens pour une première répétition, les compositions prennent vie naturellement, magistralement soutenus par Pierrick Pédron (saxophone), Daniel Zimmerman (trombone) et une rythmique impeccable, avec Richard Turegano (piano) et Philippe Soirat (batterie).

Jacques VIdal ne souhaitait pas qu’on “entende” la technique d’écriture, pas plus que la technique chez les instrumentistes. De l’aveu même des musiciens, il aurait fourni un matériel plus précis, plus rigoureux, avec des rapports entre mélodie et harmonie d’une part et entre rythme et mélodie d’autre part, plus affinés que dans les disques précédents. La preuve que la sensation de liberté peut être bien plus grande avec davantage de contraintes et un cadre plus rigoureux. Les mélanges de rythmes (5/4 ou le 7 temps) sont venus instinctivement, ce n’était pas prémédité. Les musiciens se sont immédiatement sentis à l’aise. Il faut dire que Jacques Vidal en écrivant avait pensé à chacun d’eux.

Jacques Vidal désirait revenir à certaines racines de la culture jazz, comme celle de la danse qui a été très longtemps liée à la musique. Il s’agit de sa Jazz Attitude, pour lui c’est du « pur jazz » comme celui d’un bassiste, Miroslav Vitouš dont il parle avec tellement de louange et d’enthousiasme, qu’on se dit qu’”Hymn” pourrait quelque part lui être destiné…


Le 10 décembre au PAN PIPER