lunes, 4 de enero de 2016

Harry Allen - Something About Jobim (2015)


For 99 percent of all Brazilian musicians, Antonio Carlos Jobim is
number one. His composition skills and his unique talent makes
it possible for him to be, at the same time, amazingly sophisticated
and easy to listen to. It tells us a lot about Brazil. In a way all
Brazilian musicians have, like Jobim, a simple love of the beach,
the forests, the birds and a way of being. His development, both
as a composer and a lyricist, into the major artist that he is, makes
Jobim one of the proudest proofs of Brazilian potentials and
talent. Along with João Gilberto, Antonio Carlos Brasileiro de
Almeida Jobim (his full name) have changed the ball game, and
given Brazilian music international exposure and shaped a general
view of what Brazil’s musical roots and creative resources are. It is
unthinkable to look upon Brazil as a musical nation without considering
Jobim’s artistic architecture and beauty.

Something About Jobim began in an unusual way, back in early
2015, when producer Rodolfo Stroeter was touring Europe with
Joyce and her trio: Helio Alves on piano, Tutty Moreno on drums
and himself on bass. They have been playing together for a long
run, and Denmark and Club Montmartre in Copenhagen are
among their top places. Rodolfo has worked with with Danish Stunt
Records on several occasions before and, when in Copenhagen, he
picked up some of the labels latest releases.

As always it took Rodolfo a few days to return to his Brazilian way
of life and get ready to listen to some new music. He is a slow
listener, and it takes some time before he is ready to absorb. Since
he became a musician, who also produces music of many different
styles, he is aware, that some good ideas often show up when he is
in the “slow mode” as a listener. And it’s a nice feeling being “slow”
as one can really join together many aspects of, not only music, but
of a joke, a Groucho quote, a poem, anything really. It’s a special
kind of mood, where everything makes much more sense, because
it is cooked slowly inside your soul.

It was in that kind of mood, Rodolfo checked out the albums and
also listened to QUIETLY THERE an album with the American
tenor player Harry Allen together with the Swedish players Jan
Lundgren on piano and Hans Backenroth on bass and the Danish
drummer Kristian Leth. “It immediately connected to one of those
slow corners of my soul”, Rodolfo Stroeter reflects. “Allen’s airy
tenor sound, along with his wonderful way of bringing up a solo,
and the perfect blend with the great trio, got me at once. I felt like
being in a distinct era, in foreign place, and in a quiet atmosphere
unlike the fast race, we are so used to.”

After a while, suddenly a title came to his mind: Something About
Jobim. He thought that this would be a good one for a project
which could finally feature Harry Allen. In life, things sometimes
come together at the right moment, as they did in this project.
Joyce and her trio (Helio, Rodolfo and Tutty) were booked for an
upcoming tour in USA and Canada in May/June 2015. If Allen was
interested, Joyce and the trio could have lots of fun and share this
music in a very casual way. Emailing Stunt Records was the next
step. It took about ten minutes to have the answer. It was an email
with a smile, and a positive vibe, that instantly got things to move.
Back in the 70’s, Jobim recorded three great albums in USA : TIDE,
WAVE and STONE FLOWER. The music has a special uncompromising
feeling to it.

The arrangements are great. There are a lot of
great players; Ron Carter on bass and Jobim himself playing the
guitar, giving each track its own flavor. The three albums, arranged
by Jobim, Eumir Deodato and Claus Oggerman, sound great,
creating a relaxed feeling which permeates the whole project, creating
a special environment. Curiously enough, most of the tunes
on these albums never became major hits, but all the compositions
had such a high spirit, a blessed Brazilian bossa nova and jazz
feeling. That was the main thing. To get this feeling down on an
album, would be such a major achievement. It is a sound of an era,
it is part of the main style Jobim created. It’s catchy, it has great
harmonies, melodies flows all the time, and the rhythm... and so
on and so on.

Joyce and Tutty were both enthusiastic about the project.
As a Carioca (a person born in Rio de Janeiro) Joyce knew
Jobim quite well. He respected and admired Joyce’s singing
a lot (he even wrote liner notes to one of her albums). And
Joyce knows most of Jobim’s repertoire by heart. So her great
talent, her prodigious memory and her wonderful skills would
be a blessing, and she came to it with her splendid voice, her
great feeling of Brazilian music and, last but not least, with her
unique guitar style, that we all know and love, blending bossa
nova, samba and jazz.
Tutty Moreno, is a special and drummer. Rodolfo and Tutty
have been sharing music for twenty years. He is a very creative
and dynamic player and besides being a great expert on
bossa nova and Brazilian jazz, Tutty has a very distinct smooth
sound.

Rodolfo started to email Harry. His Danish connection from
Stunt REcords had previously spoken to him, so they began to
exchange ideas for the project. Rodolfo sent some emails and
he would return with a very conclusive and short answers such
as: “Great!”, or “Let’s do it!”

And then to Helio Alves. He is a Brazilian living in New York
since the 1980’s, and a pianist with enormous experience from
playing with some of the most important musicians around,
such as Joe Henderson, Yo Yo Ma, and Paquito D’Rivera. Helio
had already worked with Harry Allen and knew all that could
happen.

Then, the recording sessions took place at Systems Two
Studio in Brooklyn in two days, but Something About Jobim
was done almost at once. The tunes included in the album
are either take one or take two (they never did a third one).
Although the sessions were short and fast, the music has a
“slow motion” atmosphere to it, as at the same time, the bossa
nova feeling travels towards the listener, creating an biance of
happy intimacy with the players and Jobim.

Bossa Nova, Jazz, Balads, Samba, all at once. Harry Allen’s
great sound, Joyce’s super voice and guitar, Helio Alves at his
best, and Rodolfo and Tutty cooking the meal very carefully.
Something About Jobim - we hope you will all dive in and
join the music with the same vibe as we have done!

Harry Allen - tenor sax
Helio Alves – piano
Rodolfo Stroeter – bass
Tutty Moreno – drums

Special guest: Joyce – voice (*) and guitar

Dindi
Chovendo na Roseira*
Captain Bacardi
Sue Ann
Theme For Jobim*
Mojave
Falando de Amor
Antigua
Angela
Voce Vai Ver*
Tema Jazz


SONIA

Harry Allen / The Jan Lundgren Quartet - Quietly There (2015)


Allen, the American master of melodic, swinging tenor saxophone, and Lundgren, a Swedish pianist of infinite subtlety, make a good partnership. They think alike and clearly enjoy each other’s playing as they immerse themselves in these nine songs by Johnny Mandel. Some of them, like the theme from M*A*S*H, are not obvious jazz material, but Mandel, like his contemporary Henry Mancini, has always been a jazzman at heart and it shows. Two numbers especially, Emily and The Shining Sea, evoke really inspired performances. Bassist Hans Backenroth and drummer Kristian Leth complete the quartet, applying an appropriately light touch. Read more...


01. Sure As You Are Born
02. Emily
03. The Shining Sea
04. Quietly There
05. A Time For Love
06. Cinnamon And Clove
07. The Shadow Of Your Smile
08. Just A Child
09. Suicide Is Painless

Harry Allen, tenor sax
Jan Lundgren, piano
Hans Backenroth, bass
Kristian Leth, drums


SONIA

Kirk Knuffke - Lamplighter (2015)


"Although Knuffke topped Downbeat’s 2015 Rising Star poll, this will almost certainly be the last time he’ll be described as “new talent”. Since arriving in New York over a decade ago the 35-year-old cornettist has recorded with such luminaries as Butch Morris, Mark Helias and Mary Halvorson, not to mention one of the city’s most happening groups, Allison Miller’s Boom Tic Boom. With over a dozen pending releases and more than twice that number already under his belt, 2015 looks set to be his breakthrough year. 

At once rooted in tradition and subversively skewed, the somewhat unusual instrumentation of Lamplighter makes a striking and immediate first impression. Neither Wollesen nor Goodwin play with a full kit, their orchestra of small instruments bringing a tremendous unpredictability and richness to Knuffke’s elastic grooves.

Rise opens with a simple pulse from Wollesen’s bass drum, quickly lurching into swing-time as Goodwin’s snare and cymbals animate the leader’s expressionistic half-valve glisses. Takeishi’s rather boxy acoustic bass guitar takes some getting used to, but when the ears adjust his note placements are often little short of sublime (nowhere more so than on the splendidly languid title track). Blanks summons the dancing spirit of Knuffke’s one-time mentor Ornette Coleman, whist Tomorrow And Later rides an almost martial beat redolent of Henry Threadgill’s off-kilter funk. The sheer joy of Knuffke’s solo on Odds is utterly infectious, but its dangerously turbulent undertow is a reminder of a broad musical catholicism.

All in all this is a wonderfully individual set, and if you’re searching for sounds of surprise you’ll find them right here." Fred Grand -Jazz Journal (October, 2015)


01. Rise 3:56
02. Brightness 4:50
03. Lamplighter 4:42
04. Odds 5:16
05. As Always Am 5:46
06. Madeleine 5:45
07. Glows 4:35
08. Smash 3:44
09. Blanks 5:07
10. How Much Money Does It Really Take 4:53
11. Tomorrow And Later 5:56

All compositions by Kirk Knuffke

Kirk Knuffke (cornet)
Stomu Takeishi (accoustic bass guitar)
Kenny Wollesen (bass drum & percussion)
Bill Goodwin (drums & percussion)

Recorded at Systems Two, Brooklyn, New York, on October 16, 2014

Engineered by Mike Marciano

Produced by Kirk Knuffke

Executive producer: Jordi Pujol


Domi

Solea - New to Old (2015)


Wer in der Vielzahl von Trios in der Jazz-Landschaft nicht versanden will, braucht Alleinstellungsmerkmale. Solea, bestehend aus Markus Horn (Klavier), Lars Hansen (Bass) und Heinz Lichius (Schlagzeug) bieten gleich mehrere davon. Beim Sound etwa, den Hansen durch den konsequenten Einsatz seines E-Basses wesentlich mitprägt. „Lars setzt ihn häufig als Melodieinstrument ein, was uns völlig neue Möglichkeiten beschert – spielerisch wie kompositorisch“, erklärt Bandleader Markus Horn, aus dessen Feder sämtliche Kompositionen des Albums „New to Old“ stammen.

In seinen Kompositionen greift er unterschiedliche Stimmungen auf, die er in groben Skizzen konserviert, ehe ihnen alle Bandmitglieder gleichberechtigt Leben einhauchen. „Lars hat völlig freie Hand, was er mit den Harmonien macht, die ich mitbringe. Meist entwickelt sich daraus ein Dialog, ein musikalisches Gespräch, das wir mal miteinander, mal gegeneinander führen“, so Horn. Auch Schlagzeuger Heinz Lichius sieht seine Aufgabe in einem wechselseitigen Prozess. Die Spielgefährten inspirieren und gleichzeitig von ihnen inspiriert werden. „Auch wenn die Kompositionen schon fertig sind, bleibt der Freiraum, sie umzudeuten. Dann eröffnen sich Wege, die die Musik noch viel größer machen können“, beschreibt Lichius den Reiz dieser besonderen Trio-Besetzung.


Im Gegensatz zu vielen anderen Jazztrios, ist der Sound von Solea deutlich europäischer orientiert. „Oft klingen Dreier-Besetzungen ja eher US-amerikanisch – mit Einflüssen aus Bebop, Neobop und Blues und vielen Dominantseptakkorden, die diesen typischen, sich reibenden Sound erzeugen. Ich finde die Klänge, die aus der Klassik kommen, wesentlich interessanter“, erklärt Horn seine musikalischen Vorlieben. In seinen Stücken finden sich Einflüsse stilprägender Jazz-Pianisten wie Keith Jarrett, Chick Corea, Brad Mehldau oder John Taylor – gepaart mit dem opulenten Sound impressionistischer Komponisten wie Maurice Ravel oder Claude Debussy. „Ich probiere sehr viel aus, um den Stücken eine stimmige Form zu geben. Oft stelle ich mir vor, ich würde statt für ein Trio für eine Bigband schreiben“, erläutert Horn seine Rolle als Komponist und Arrangeur. Am Ende dieses Prozesses stehen Kompositionen mit einem unverwechselbaren, geradezu räumlich anmutenden Klang.

Horn, Hansen und Lichius sind äußerst melodische Improvisatoren, die sich Zeit nehmen, ihre Geschichten zu erzählen. Mit „Pandora“ geben sie gleich zum Auftakt ihre Visitenkarte ab. Der Opener – mehr als zehn Minuten lang – enthält alle wesentlichen Elemente, die die Musik von Solea ausmachen: komplexe Strukturen und Harmonien, eingebettet in starke, stimmige Melodien mit hohem Wiedererkennungswert, die den Hörenden zum Mitsingen oder – summen animieren. In den sich anschließenden Soli gehen die Führungsinstrumente geschmeidig ineinander über und kreieren einen Flow, wie er eleganter nicht sein könnte. Ohrenscheinlich ist auch Horns Vorliebe für Filmmusik. Während ihn Stanislas Lems Science-Fiction Roman „Solaris“ zu jenen futuristischen Klängen inspirierte, die er im gleichnamigen Stück verarbeitet hat, ist der geheimnisvolle, mysteriöse Sound von „North by Northwest“ als Hommage an Alfred Hitchcocks berühmten Agententhriller „Der unsichtbare Dritte“ zu verstehen.

Abgerundet wird das Album durch zwei kurze Zwischenspiele („Miniature No. 1“ und „Miniature No. 2“), die aus jeweils einem Thema und einer Improvisation bestehen und mit ihrem majestätisch-hymnischen Charakter hörbar von der Spätromantik beeinflusst sind. Mit „New To Old“ beweisen die drei Musiker von Solea eindrucksvoll, dass es zwischen Jazz, Pop, Kammermusik und Avantgarde keine Trennlinie geben muss. Und dass es auch in Trio-Besetzung möglich ist, eigene Wege zu gehen. Vom Neuen ins Alte – und vice versa.


Markus Horn, piano
Lars Hansen, bass
Heinz Lichius, drums

01. Pandora
02. Pulsar
03. New to Old
04. Miniature No.2
05. Solaris
06. North by Northwest
07. Miniature No.1
08. Quarks
09. Stranger Danger
10. Flow Channel


Domi

Martin Auer Quintett - Our Kind Of... (2015)


„Kind of Blue“. Sich an die Kompositionen des berühmtesten Albums der Jazzgeschichte heran zu wagen – das kann eigentlich nur schiefgehen. Majestätsbeleidigung? Größenwahn? Könnte man meinen. Andererseits: mehr als 55 Jahre sind seit der legendären Ersteinspielung durch Miles Davis und seine Kollegen vergangen – fast ein Vierteljahrhundert ist der  prägende Trompeter aus St. Louis schon  tot. Warum also dieses Album – das viele Musiker und Kritiker als heiligen Gral des Jazz bezeichnen -  nicht in die musikalische Gegenwart transportieren? Ist doch die Frage, wie Jazzer der neuen Generation diesen Meilenstein hören und interpretieren, hoch spannend.  Und die Antwort des Martin Auer Quintetts überzeugt. Mit „Our Kind of…“ ist ihm nicht nur eine Hommage an ein Meisterwerk der Musikgeschichte gelungen, sondern auch dessen intelligente Bearbeitung. 

„Das Album gehört zum Basiswortschatz eines Jazzmusikers. Dennoch wären wir nie selbst auf die Idee gekommen, unsere eigene Version zu machen“, stellt Bandleader und Trompeter Martin Auer klar. Das hätte er auch nicht nötig gehabt. Immerhin kann der gebürtige Bayer, der mittlerweile in Berlin lebt, auf eine beachtliche Diskografie verweisen. Fünf Alben mit Eigenkompositionen hat sein  Quintett bereits veröffentlicht. Dass das Sechste nun die Adaption eines Klassikers ist, war Zufall. 

Rückblende. Jazzfest Leipzig 2011. Anlässlich des 20. Todestags von Miles Davis erhalten Martin  Auer und sein Ensemble vom Veranstalter den Auftrag, eine eigene Version von „Kind of Blue“ zu produzieren. Das Projekt steht unter einem guten Stern. Die Kulturförderung des Bayer-Konzerns wird aufmerksam und lädt die Band  nach Leverkusen ein, um das Projekt vorzustellen. Dort hinterlassen die Musiker einen bleibenden Eindruck. Am Ende steht die Zusage eines potenten Sponsors: BAYER Kultur finanziert die Produktion.  Trotzdem bleiben Zweifel. „Die Gefahr, dass unser Album kritisch aufgenommen wird, ist natürlich groß - unabhängig davon, wie gut es ist“, erinnert sich Auer an anfängliche Bedenken. Doch er und seine Mitstreiter entwickeln ein gutes Credo, mit dem sie sich der Aufgabe stellen. „Wir betrachten unsere Bearbeitung nicht als Konkurrenz zum Original, sondern beleuchten es auf unsere Art, lassen es in einem anderen Licht erstrahlen.“

Das Konzept geht vor allem deshalb auf, weil das Martin Auer Quintett geschickt die Stärken ausspielt, die es seit der Gründung vor annähernd 20 Jahren entwickelt hat. Virtuoses und routiniertes Zusammenspiel bilden die Basis. Hinzu kommen ganz besondere, spezielle musikalische Vorlieben, die jedes einzelne Mitglied ins Kollektiv einbringt. Die Summe der einzelnen Teile macht das Martin Auer Quintett zu einem stilistisch enorm breit aufgestellten Ensemble. Lyrische Melodien, Anleihen aus Neuer Musik, Pop und Freejazz, sowie Odd Meter-Kompositionen und Ostinato-Figuren – alle diese Zutaten fließen zusammen und machen den energetischen Stil des Martin Auer Quintetts aus.

Jeder der fünf Musiker hat ein Stück von „Kind of Blue“ neu arrangiert.  Aus Auers  Feder stammt „Flamenco Sketches“. Äußerst elegant verwebt er sein Trompetenspiel - in einer zweiten Melodielinie - mit dem Saxofonspiel seines Kollegen Florian Trübsbach. Der Opener  „So what“ – im Original von Miles Davis fast aufreizend lässig anmutend – kommt in der Version des Bassisten Andreas Kurz deutlich energiegeladener daher, wozu Schlagzeuger Bastian Jütte mit seinem Schlagzeugsolo wesentlich beiträgt. Und im eingängigen Schlussstück „All Blues“ ist es nicht etwa das allseits bekannte, ruhig gleitende Bläserriff, das im Ohr verfängt, sondern der funkige Groove, den Pianist Jan Eschke mit rhythmischen Klaviertönen aufbaut. 

Mit „Our Kind of…“ drücken die Mitglieder des Martin Auer Quintetts aus, welchen Nachklang DAS Album der Jazzgeschichte bei ihnen hinterlassen hat. Sie würdigen den Klassiker, ohne ihn zu kopieren. Das kommt offenbar auch beim Publikum an. „Die ersten Reaktionen waren sehr positiv“, freut sich Martin Auer, wohlwissend, dass es auch Vorteile haben kann, sich berühmtes Ausgangsmaterial vorzunehmen. „Auf Stücke, die die Zuhörer kennen, können sie sich vermutlich schneller einlassen – auch wenn unsere Versionen anders klingen“, so der Wahl-Berliner.


Martin Auer trumpet
Florian Trübsbach alto / soprano-sax
Jan Eschke piano
Andreas Kurz bass
Bastian Jütte drums

1. So What
2. Blue in Green
3. Flamenco Sketches
4. Freddie Freeloader
5. All Blues


Domi

Klemens Marktl Sextet - December (2015)



Klemens Marktl Sextet

Seamus Blake (tenor & soprano sax)
John Ellis (tenor & soprano sax, bass clarinet)
Aaron Goldberg (piano)
Joe Locke (vibes)
Harish Raghavan (bass)
Klemens Marktl (drums)

01. Elveen 8:54
02. December 5:25
03. Prosit Neujahr 5:27
04. Sonf For Alex 6:33
05. Nina's Dream 5:52
06. Three Times 6:51
07. Bright Sparks 4:52
08. Traffic 5:05
09. "V" 5:59
10. Hymn 1:54

All tunes composed & arranged by Klemens Marktl

Recorded at the Samurai Hotel Recording Studio, Astoria, New York City, on April 8, 2015

Recording engineer: David Stoller
Mixing & mastering: Mike Marciano at Systems Two Studios, Brooklyn, New York

Klemens Marktl writes

Klemens Marktl - New CD out: “DECEMBER”  

I am very excited to announce the release of my new album DECEMBER on Fresh Sound New Talent Records! 

Every track on DECEMBER is one of my compositions, and the album features Seamus Blake (tenor & soprano sax), John Ellis (tenor/soprano sax & bass clarinet), Joe Locke (vibes), Aaron Goldberg (piano) and Harish Raghavan (bass). It’s been an amazing experience to be recording my own music with these fantastic musicians, and the music on the album perfectly reflects our great chemistry making music together.


“I don’t know anyone who loves jazz more than Klemens Marktl. He immerses himself in the music in a joyful way, and the results are evident on this new recording. He is rooted in tradition but is not bound by it, and has assembled a group of like-minded and forward-looking masters to execute his beautiful compositions.” —Joe Locke


Domi