Harry Allen - Something About Jobim (2015)

For 99 percent of all Brazilian musicians, Antonio Carlos Jobim is

number one. His composition skills and his unique talent makes

it possible for him to be, at the same time, amazingly sophisticated

and easy to listen to. It tells us a lot about Brazil. In a way all

Brazilian musicians have, like Jobim, a simple love of the beach,

the forests, the birds and a way of being. His development, both

as a composer and a lyricist, into the major artist that he is, makes

Jobim one of the proudest proofs of Brazilian potentials and

talent. Along with João Gilberto, Antonio Carlos Brasileiro de

Almeida Jobim (his full name) have changed the ball game, and

given Brazilian music international exposure and shaped a general

view of what Brazil’s musical roots and creative resources are. It is

unthinkable to look upon Brazil as a musical nation without considering

Jobim’s artistic architecture and beauty.

Something About Jobim began in an unusual way, back in early

2015, when producer Rodolfo Stroeter was touring Europe with

Joyce and her trio: Helio Alves on piano, Tutty Moreno on drums

and himself on bass. They have been playing together for a long

run, and Denmark and Club Montmartre in Copenhagen are

among their top places. Rodolfo has worked with with Danish Stunt

Records on several occasions before and, when in Copenhagen, he

picked up some of the labels latest releases.

As always it took Rodolfo a few days to return to his Brazilian way

of life and get ready to listen to some new music. He is a slow

listener, and it takes some time before he is ready to absorb. Since

he became a musician, who also produces music of many different

styles, he is aware, that some good ideas often show up when he is

in the “slow mode” as a listener. And it’s a nice feeling being “slow”

as one can really join together many aspects of, not only music, but

of a joke, a Groucho quote, a poem, anything really. It’s a special

kind of mood, where everything makes much more sense, because

it is cooked slowly inside your soul.

It was in that kind of mood, Rodolfo checked out the albums and

also listened to QUIETLY THERE an album with the American

tenor player Harry Allen together with the Swedish players Jan

Lundgren on piano and Hans Backenroth on bass and the Danish

drummer Kristian Leth. “It immediately connected to one of those

slow corners of my soul”, Rodolfo Stroeter reflects. “Allen’s airy

tenor sound, along with his wonderful way of bringing up a solo,

and the perfect blend with the great trio, got me at once. I felt like

being in a distinct era, in foreign place, and in a quiet atmosphere

unlike the fast race, we are so used to.”

After a while, suddenly a title came to his mind: Something About

Jobim. He thought that this would be a good one for a project

which could finally feature Harry Allen. In life, things sometimes

come together at the right moment, as they did in this project.

Joyce and her trio (Helio, Rodolfo and Tutty) were booked for an

upcoming tour in USA and Canada in May/June 2015. If Allen was

interested, Joyce and the trio could have lots of fun and share this

music in a very casual way. Emailing Stunt Records was the next

step. It took about ten minutes to have the answer. It was an email

with a smile, and a positive vibe, that instantly got things to move.

Back in the 70’s, Jobim recorded three great albums in USA : TIDE,

WAVE and STONE FLOWER. The music has a special uncompromising

feeling to it.

The arrangements are great. There are a lot of

great players; Ron Carter on bass and Jobim himself playing the

guitar, giving each track its own flavor. The three albums, arranged

by Jobim, Eumir Deodato and Claus Oggerman, sound great,

creating a relaxed feeling which permeates the whole project, creating

a special environment. Curiously enough, most of the tunes

on these albums never became major hits, but all the compositions

had such a high spirit, a blessed Brazilian bossa nova and jazz

feeling. That was the main thing. To get this feeling down on an

album, would be such a major achievement. It is a sound of an era,

it is part of the main style Jobim created. It’s catchy, it has great

harmonies, melodies flows all the time, and the rhythm... and so

on and so on.

Joyce and Tutty were both enthusiastic about the project.

As a Carioca (a person born in Rio de Janeiro) Joyce knew

Jobim quite well. He respected and admired Joyce’s singing

a lot (he even wrote liner notes to one of her albums). And

Joyce knows most of Jobim’s repertoire by heart. So her great

talent, her prodigious memory and her wonderful skills would

be a blessing, and she came to it with her splendid voice, her

great feeling of Brazilian music and, last but not least, with her

unique guitar style, that we all know and love, blending bossa

nova, samba and jazz.

Tutty Moreno, is a special and drummer. Rodolfo and Tutty

have been sharing music for twenty years. He is a very creative

and dynamic player and besides being a great expert on

bossa nova and Brazilian jazz, Tutty has a very distinct smooth

sound.

Rodolfo started to email Harry. His Danish connection from

Stunt REcords had previously spoken to him, so they began to

exchange ideas for the project. Rodolfo sent some emails and

he would return with a very conclusive and short answers such

as: “Great!”, or “Let’s do it!”

And then to Helio Alves. He is a Brazilian living in New York

since the 1980’s, and a pianist with enormous experience from

playing with some of the most important musicians around,

such as Joe Henderson, Yo Yo Ma, and Paquito D’Rivera. Helio

had already worked with Harry Allen and knew all that could

happen.

Then, the recording sessions took place at Systems Two

Studio in Brooklyn in two days, but Something About Jobim

was done almost at once. The tunes included in the album

are either take one or take two (they never did a third one).

Although the sessions were short and fast, the music has a

“slow motion” atmosphere to it, as at the same time, the bossa

nova feeling travels towards the listener, creating an biance of

happy intimacy with the players and Jobim.

Bossa Nova, Jazz, Balads, Samba, all at once. Harry Allen’s

great sound, Joyce’s super voice and guitar, Helio Alves at his

best, and Rodolfo and Tutty cooking the meal very carefully.

Something About Jobim - we hope you will all dive in and

join the music with the same vibe as we have done!

Harry Allen - tenor sax

Helio Alves – piano

Rodolfo Stroeter – bass

Tutty Moreno – drums

Special guest: Joyce – voice (*) and guitar

Dindi

Chovendo na Roseira*

Captain Bacardi

Sue Ann

Theme For Jobim*

Mojave

Falando de Amor

Antigua

Angela

Voce Vai Ver*

Tema Jazz

BUY THIS ALBUM!!!

SONIA

Harry Allen / The Jan Lundgren Quartet - Quietly There (2015)

Allen, the American master of melodic, swinging tenor saxophone, and Lundgren, a Swedish pianist of infinite subtlety, make a good partnership. They think alike and clearly enjoy each other’s playing as they immerse themselves in these nine songs by Johnny Mandel. Some of them, like the theme from M*A*S*H, are not obvious jazz material, but Mandel, like his contemporary Henry Mancini, has always been a jazzman at heart and it shows. Two numbers especially, Emily and The Shining Sea, evoke really inspired performances. Bassist Hans Backenroth and drummer Kristian Leth complete the quartet, applying an appropriately light touch. Read more...

01. Sure As You Are Born

02. Emily

03. The Shining Sea

04. Quietly There

05. A Time For Love

06. Cinnamon And Clove

07. The Shadow Of Your Smile

08. Just A Child

09. Suicide Is Painless

Harry Allen, tenor sax

Jan Lundgren, piano

Hans Backenroth, bass

Kristian Leth, drums

BUY THIS ALBUM!!!

SONIA

Kirk Knuffke - Lamplighter (2015)

"Although Knuffke topped Downbeat’s 2015 Rising Star poll, this will almost certainly be the last time he’ll be described as “new talent”. Since arriving in New York over a decade ago the 35-year-old cornettist has recorded with such luminaries as Butch Morris, Mark Helias and Mary Halvorson, not to mention one of the city’s most happening groups, Allison Miller’s Boom Tic Boom. With over a dozen pending releases and more than twice that number already under his belt, 2015 looks set to be his breakthrough year. 

At once rooted in tradition and subversively skewed, the somewhat unusual instrumentation of Lamplighter makes a striking and immediate first impression. Neither Wollesen nor Goodwin play with a full kit, their orchestra of small instruments bringing a tremendous unpredictability and richness to Knuffke’s elastic grooves.

Rise opens with a simple pulse from Wollesen’s bass drum, quickly lurching into swing-time as Goodwin’s snare and cymbals animate the leader’s expressionistic half-valve glisses. Takeishi’s rather boxy acoustic bass guitar takes some getting used to, but when the ears adjust his note placements are often little short of sublime (nowhere more so than on the splendidly languid title track). Blanks summons the dancing spirit of Knuffke’s one-time mentor Ornette Coleman, whist Tomorrow And Later rides an almost martial beat redolent of Henry Threadgill’s off-kilter funk. The sheer joy of Knuffke’s solo on Odds is utterly infectious, but its dangerously turbulent undertow is a reminder of a broad musical catholicism.

All in all this is a wonderfully individual set, and if you’re searching for sounds of surprise you’ll find them right here." Fred Grand -Jazz Journal (October, 2015)

01. Rise 3:56

02. Brightness 4:50

03. Lamplighter 4:42

04. Odds 5:16

05. As Always Am 5:46

06. Madeleine 5:45

07. Glows 4:35

08. Smash 3:44

09. Blanks 5:07

10. How Much Money Does It Really Take 4:53

11. Tomorrow And Later 5:56

All compositions by Kirk Knuffke

Kirk Knuffke (cornet)

Stomu Takeishi (accoustic bass guitar)

Kenny Wollesen (bass drum & percussion)

Bill Goodwin (drums & percussion)

Recorded at Systems Two, Brooklyn, New York, on October 16, 2014

Engineered by Mike Marciano

Produced by Kirk Knuffke

Executive producer: Jordi Pujol

BUY THIS ALBUM!!!

Domi

Solea - New to Old (2015)

Wer in der Vielzahl von Trios in der Jazz-Landschaft nicht versanden will, braucht Alleinstellungsmerkmale. Solea, bestehend aus Markus Horn (Klavier), Lars Hansen (Bass) und Heinz Lichius (Schlagzeug) bieten gleich mehrere davon. Beim Sound etwa, den Hansen durch den konsequenten Einsatz seines E-Basses wesentlich mitprägt. „Lars setzt ihn häufig als Melodieinstrument ein, was uns völlig neue Möglichkeiten beschert – spielerisch wie kompositorisch“, erklärt Bandleader Markus Horn, aus dessen Feder sämtliche Kompositionen des Albums „New to Old“ stammen.

In seinen Kompositionen greift er unterschiedliche Stimmungen auf, die er in groben Skizzen konserviert, ehe ihnen alle Bandmitglieder gleichberechtigt Leben einhauchen. „Lars hat völlig freie Hand, was er mit den Harmonien macht, die ich mitbringe. Meist entwickelt sich daraus ein Dialog, ein musikalisches Gespräch, das wir mal miteinander, mal gegeneinander führen“, so Horn. Auch Schlagzeuger Heinz Lichius sieht seine Aufgabe in einem wechselseitigen Prozess. Die Spielgefährten inspirieren und gleichzeitig von ihnen inspiriert werden. „Auch wenn die Kompositionen schon fertig sind, bleibt der Freiraum, sie umzudeuten. Dann eröffnen sich Wege, die die Musik noch viel größer machen können“, beschreibt Lichius den Reiz dieser besonderen Trio-Besetzung.

Im Gegensatz zu vielen anderen Jazztrios, ist der Sound von Solea deutlich europäischer orientiert. „Oft klingen Dreier-Besetzungen ja eher US-amerikanisch – mit Einflüssen aus Bebop, Neobop und Blues und vielen Dominantseptakkorden, die diesen typischen, sich reibenden Sound erzeugen. Ich finde die Klänge, die aus der Klassik kommen, wesentlich interessanter“, erklärt Horn seine musikalischen Vorlieben. In seinen Stücken finden sich Einflüsse stilprägender Jazz-Pianisten wie Keith Jarrett, Chick Corea, Brad Mehldau oder John Taylor – gepaart mit dem opulenten Sound impressionistischer Komponisten wie Maurice Ravel oder Claude Debussy. „Ich probiere sehr viel aus, um den Stücken eine stimmige Form zu geben. Oft stelle ich mir vor, ich würde statt für ein Trio für eine Bigband schreiben“, erläutert Horn seine Rolle als Komponist und Arrangeur. Am Ende dieses Prozesses stehen Kompositionen mit einem unverwechselbaren, geradezu räumlich anmutenden Klang.

Horn, Hansen und Lichius sind äußerst melodische Improvisatoren, die sich Zeit nehmen, ihre Geschichten zu erzählen. Mit „Pandora“ geben sie gleich zum Auftakt ihre Visitenkarte ab. Der Opener – mehr als zehn Minuten lang – enthält alle wesentlichen Elemente, die die Musik von Solea ausmachen: komplexe Strukturen und Harmonien, eingebettet in starke, stimmige Melodien mit hohem Wiedererkennungswert, die den Hörenden zum Mitsingen oder – summen animieren. In den sich anschließenden Soli gehen die Führungsinstrumente geschmeidig ineinander über und kreieren einen Flow, wie er eleganter nicht sein könnte. Ohrenscheinlich ist auch Horns Vorliebe für Filmmusik. Während ihn Stanislas Lems Science-Fiction Roman „Solaris“ zu jenen futuristischen Klängen inspirierte, die er im gleichnamigen Stück verarbeitet hat, ist der geheimnisvolle, mysteriöse Sound von „North by Northwest“ als Hommage an Alfred Hitchcocks berühmten Agententhriller „Der unsichtbare Dritte“ zu verstehen.

Abgerundet wird das Album durch zwei kurze Zwischenspiele („Miniature No. 1“ und „Miniature No. 2“), die aus jeweils einem Thema und einer Improvisation bestehen und mit ihrem majestätisch-hymnischen Charakter hörbar von der Spätromantik beeinflusst sind. Mit „New To Old“ beweisen die drei Musiker von Solea eindrucksvoll, dass es zwischen Jazz, Pop, Kammermusik und Avantgarde keine Trennlinie geben muss. Und dass es auch in Trio-Besetzung möglich ist, eigene Wege zu gehen. Vom Neuen ins Alte – und vice versa.

Markus Horn, piano

Lars Hansen, bass

Heinz Lichius, drums

01. Pandora

02. Pulsar

03. New to Old

04. Miniature No.2

05. Solaris

06. North by Northwest

07. Miniature No.1

08. Quarks

09. Stranger Danger

10. Flow Channel

BUY THIS ALBUM!!!

Domi

Martin Auer Quintett - Our Kind Of... (2015)

„Kind of Blue“. Sich an die Kompositionen des berühmtesten Albums der Jazzgeschichte heran zu wagen – das kann eigentlich nur schiefgehen. Majestätsbeleidigung? Größenwahn? Könnte man meinen. Andererseits: mehr als 55 Jahre sind seit der legendären Ersteinspielung durch Miles Davis und seine Kollegen vergangen – fast ein Vierteljahrhundert ist der  prägende Trompeter aus St. Louis schon  tot. Warum also dieses Album – das viele Musiker und Kritiker als heiligen Gral des Jazz bezeichnen -  nicht in die musikalische Gegenwart transportieren? Ist doch die Frage, wie Jazzer der neuen Generation diesen Meilenstein hören und interpretieren, hoch spannend.  Und die Antwort des Martin Auer Quintetts überzeugt. Mit „Our Kind of…“ ist ihm nicht nur eine Hommage an ein Meisterwerk der Musikgeschichte gelungen, sondern auch dessen intelligente Bearbeitung. 

„Das Album gehört zum Basiswortschatz eines Jazzmusikers. Dennoch wären wir nie selbst auf die Idee gekommen, unsere eigene Version zu machen“, stellt Bandleader und Trompeter Martin Auer klar. Das hätte er auch nicht nötig gehabt. Immerhin kann der gebürtige Bayer, der mittlerweile in Berlin lebt, auf eine beachtliche Diskografie verweisen. Fünf Alben mit Eigenkompositionen hat sein  Quintett bereits veröffentlicht. Dass das Sechste nun die Adaption eines Klassikers ist, war Zufall. 

Rückblende. Jazzfest Leipzig 2011. Anlässlich des 20. Todestags von Miles Davis erhalten Martin  Auer und sein Ensemble vom Veranstalter den Auftrag, eine eigene Version von „Kind of Blue“ zu produzieren. Das Projekt steht unter einem guten Stern. Die Kulturförderung des Bayer-Konzerns wird aufmerksam und lädt die Band  nach Leverkusen ein, um das Projekt vorzustellen. Dort hinterlassen die Musiker einen bleibenden Eindruck. Am Ende steht die Zusage eines potenten Sponsors: BAYER Kultur finanziert die Produktion.  Trotzdem bleiben Zweifel. „Die Gefahr, dass unser Album kritisch aufgenommen wird, ist natürlich groß - unabhängig davon, wie gut es ist“, erinnert sich Auer an anfängliche Bedenken. Doch er und seine Mitstreiter entwickeln ein gutes Credo, mit dem sie sich der Aufgabe stellen. „Wir betrachten unsere Bearbeitung nicht als Konkurrenz zum Original, sondern beleuchten es auf unsere Art, lassen es in einem anderen Licht erstrahlen.“

Das Konzept geht vor allem deshalb auf, weil das Martin Auer Quintett geschickt die Stärken ausspielt, die es seit der Gründung vor annähernd 20 Jahren entwickelt hat. Virtuoses und routiniertes Zusammenspiel bilden die Basis. Hinzu kommen ganz besondere, spezielle musikalische Vorlieben, die jedes einzelne Mitglied ins Kollektiv einbringt. Die Summe der einzelnen Teile macht das Martin Auer Quintett zu einem stilistisch enorm breit aufgestellten Ensemble. Lyrische Melodien, Anleihen aus Neuer Musik, Pop und Freejazz, sowie Odd Meter-Kompositionen und Ostinato-Figuren – alle diese Zutaten fließen zusammen und machen den energetischen Stil des Martin Auer Quintetts aus.

Jeder der fünf Musiker hat ein Stück von „Kind of Blue“ neu arrangiert.  Aus Auers  Feder stammt „Flamenco Sketches“. Äußerst elegant verwebt er sein Trompetenspiel - in einer zweiten Melodielinie - mit dem Saxofonspiel seines Kollegen Florian Trübsbach. Der Opener  „So what“ – im Original von Miles Davis fast aufreizend lässig anmutend – kommt in der Version des Bassisten Andreas Kurz deutlich energiegeladener daher, wozu Schlagzeuger Bastian Jütte mit seinem Schlagzeugsolo wesentlich beiträgt. Und im eingängigen Schlussstück „All Blues“ ist es nicht etwa das allseits bekannte, ruhig gleitende Bläserriff, das im Ohr verfängt, sondern der funkige Groove, den Pianist Jan Eschke mit rhythmischen Klaviertönen aufbaut. 

Mit „Our Kind of…“ drücken die Mitglieder des Martin Auer Quintetts aus, welchen Nachklang DAS Album der Jazzgeschichte bei ihnen hinterlassen hat. Sie würdigen den Klassiker, ohne ihn zu kopieren. Das kommt offenbar auch beim Publikum an. „Die ersten Reaktionen waren sehr positiv“, freut sich Martin Auer, wohlwissend, dass es auch Vorteile haben kann, sich berühmtes Ausgangsmaterial vorzunehmen. „Auf Stücke, die die Zuhörer kennen, können sie sich vermutlich schneller einlassen – auch wenn unsere Versionen anders klingen“, so der Wahl-Berliner.

Martin Auer trumpet

Florian Trübsbach alto / soprano-sax

Jan Eschke piano

Andreas Kurz bass

Bastian Jütte drums

1. So What

2. Blue in Green

3. Flamenco Sketches

4. Freddie Freeloader

5. All Blues

BUY THIS ALBUM!!!

Domi

Klemens Marktl Sextet - December (2015)

Klemens Marktl Sextet

Seamus Blake (tenor & soprano sax)

John Ellis (tenor & soprano sax, bass clarinet)

Aaron Goldberg (piano)

Joe Locke (vibes)

Harish Raghavan (bass)

Klemens Marktl (drums)

01. Elveen 8:54

02. December 5:25

03. Prosit Neujahr 5:27

04. Sonf For Alex 6:33

05. Nina's Dream 5:52

06. Three Times 6:51

07. Bright Sparks 4:52

08. Traffic 5:05

09. "V" 5:59

10. Hymn 1:54

All tunes composed & arranged by Klemens Marktl

Recorded at the Samurai Hotel Recording Studio, Astoria, New York City, on April 8, 2015

Recording engineer: David Stoller

Mixing & mastering: Mike Marciano at Systems Two Studios, Brooklyn, New York

Klemens Marktl writes

Klemens Marktl - New CD out: “DECEMBER”  

I am very excited to announce the release of my new album DECEMBER on Fresh Sound New Talent Records! 

Every track on DECEMBER is one of my compositions, and the album features Seamus Blake (tenor & soprano sax), John Ellis (tenor/soprano sax & bass clarinet), Joe Locke (vibes), Aaron Goldberg (piano) and Harish Raghavan (bass). It’s been an amazing experience to be recording my own music with these fantastic musicians, and the music on the album perfectly reflects our great chemistry making music together.

“I don’t know anyone who loves jazz more than Klemens Marktl. He immerses himself in the music in a joyful way, and the results are evident on this new recording. He is rooted in tradition but is not bound by it, and has assembled a group of like-minded and forward-looking masters to execute his beautiful compositions.” —Joe Locke

BUY THIS ALBUM!!!

Domi