Joe Chambers- Samba de Maracatu (2021 Blue Note)

The venerated multi-instrumentalist and composer Joe Chambers has released Samba de Maracatu, a notable Blue Note Records return for a significant figure in the label’s history. The album is a nine-song set of original compositions, standards, and pieces by Wayne Shorter, Bobby Hutcherson, and Horace Silver that features Chambers performing drums, vibraphone, and percussion with Brad Merritt on keyboards and Steve Haines on bass. Special guests include vocalist Stephanie Jordan on a simmering version of “Never Let Me Go,” and MC Parrain on “New York State of Mind Rain,” an inventive mashup of Nas’ 1994 hip-hop staple “N.Y. State of Mind” and Chambers’ 1978 piece “Mind Rain,” which DJ Premiere sampled to construct Nas’ classic.

 On Samba de Maracatu, Chambers asserts himself more as a mallet player, particularly on the vibraphone.  Throughout the album, he uses the vibraphone as the lead melodic and improvisational voice that often converses with Merritt’s piano accompaniments and solos. While Samba de Maracatu isn’t a Brazilian jazz album in this strictest sense, Chambers utilizes various rhythms and indigenous Brazilian percussion instruments on several pieces, including the title track, which references the syncretic Afro-Brazil rhythms that were originated in the north-east region of Brazil.

In the mid-to-late 1960s, Chambers played drums for numerous Blue Note luminaries appearing on some of the decade’s most progressive albums including Shorter’s Adam’s Apple and Etcetera, Hutcherson’s Components and Happenings, Freddie Hubbard’s Breaking Point, Joe Henderson’s Mode for Joe, Sam Rivers’ Contours, McCoy Tyner Tender Moments, Andrew Hill’s Andrew!!!, Donald Byrd’s Fancy Free, and many more.

 The label’s owners – Alfred Lion and Francis Wolff – offered Chambers a chance to record his own album for the imprint during that fertile period, but he was riding so high on recording and touring with so many jazz greats that he declined the opportunity. Chambers eventually did release his own Blue Note debut Mirrors in 1998 featuring trumpeter Eddie Henderson, saxophonist Vincent Herring, pianist Mulgrew Miller, and bassist Ira Coleman.

On Samba de Maracatu, Chambers asserts himself more as a mallet player, particularly on the vibraphone.  Throughout the album, he uses the vibraphone as the lead melodic and improvisational voice that often converses with Merritt’s piano accompaniments and solos. While Samba de Maracatu isn’t a Brazilian jazz album in this strictest sense, Chambers utilizes various rhythms and indigenous Brazilian percussion instruments on several pieces, including the title track, which references the syncretic Afro-Brazil rhythms that were originated in the north-east region of Brazil.

1. You and the Night and the Music (Arthur Schwartz/Howard Dietz)

2. Circles (Joe Chambers)

3. Samba de Maracatu (Joe Chambers)

4. Visions (Bobby Hutcherson)

5. Never Let Me Go featuring Stephanie Jordan (Jay Livingston/Ray Evans)

6. Sabah el Nur (Karl Ratzer)

7. Ecaroh (Horace Silver)

8. New York State of Mind Rain featuring MC Parrain (Joe Chambers/Fenton Chambers)

Joe Chambers: vibraphone, conga drums, claves, guiro, cowbell, surdo, repinique, shakere, quica

Brad Merritt: piano, synthesizer

Steve Haines: bass, acoustic

Stephanie Jordan: voice / vocals

MC Parrain: voice / vocals

Pre-order

Ian Charleton Big Band - A Fresh Perspective (March 16, 2021)

Charleton leads his eighteen-piece big band on ten tracks featuring his original compositions and new interpretations of standards including “Stardust,” by Hoagy Carmichael, Irving Berlin’s “Blue Skies,” Marvin Fisher’s “When Sunny Gets Blue,” Vincent Youmans’ “ Tea for Two,” and “Everything I’ve Got,” by Rogers & Hart

Charleton, a Senior Chief Musician, who was the Head of Academics at the Naval School of Music, where he taught arranging, and is a graduate of the University of North Texas, burst on the scene with his 2013 debut CD, Brain Chatter. His long-awaited follow-up, A Fresh Perspective, showcases his extraordinary gifts as an inventive and engaging composer, and an imaginative arranger. His featured soloists on this date from southeastern Virginia are trumpeter Kerry Moffit, trombonist John Lloyd, Richard Garcia on alto and soprano sax, and tenor saxophonist Keith Philbrick, all supported by a quicksilver rhythm section with pianist Bart Kuebler, bassist Ryan Persaud, guitarist Wes Wagner, drummer Bob Habib and the leader’s wife, Emily Charleton on vocals. With his encyclopedic knowledge of the big band idiom - from Basie to Kenton and beyond - Charleton’s four original compositions: the swinging, Basie-bounced, “1 West 67th Street,” the breezy “Sunday Morning,” the bluesy “Party on Park,” and the title track, syncopated in 6/4 time, show that he can write songs that dance and trance with the best of them.

Charleton’s takes on standards are equally impressive, as evidenced by his Latin interpretation of “When Sunny Gets Blue,” two ballad renderings of “Tea for Two’’ and “Stardust,” the waltzy, “Blue Skies,” and a rousing reading of “Everything I’ve Got,” both laced with Emily Charleton’s vivid vocals.“El Otono,” a samba grooved selection, is composed by pianist/composer (and University of North Texas alum) Stefan Karlsson.

Charleton’s love of the big band tradition is a lifelong affair. Born in 1975, he grew up in Kentucky, Illinois and Texas, started playing the saxophone in the fifth grade, and was influenced by Charlie Parker and Cannonball Adderley. He was introduced to jazz in high school, played in a local blues band, and started writing his own compositions at fifteen. He earned his BM in 1999 and his MM in 2001 in Jazz Studies from the University of North Texas, joined the Navy that same year, and played in, composed for, and led Navy bands on five continents. A Fresh Perspective showcases Ian Charleton’s service to his country, and to the swing.

1. 1 West 67th Street (c/a Ian Charleton) 6:18

2. Sunday Morning (c/a Ian Charleton) 8:15

3. A Fresh Perspective (c/a Ian Charleton) 9:06

4. Everything I’ve Got (Rogers/Hart Arr. Ian Charleton) 2:31

5. Stardust (Hoagy Carmichael. Arr. Ian Charleton) 5:52

6. El Otoño (Stefan Karlsson Arr. Ian Charleton) 4:41

7. Blue Skies (Irving Berlin Arr. Ian Charleton) 4:27

8. Tea For Two (Vincent Youmans Arr. Ian Charleton) 3:05

9. When Sunny Gets Blue (Marvin Fisher Arr. Ian Charleton) 7:37

10. Party on Park (c/a Ian Charleton) 8:12

Ian Charleton Website

Madre Vaca – The Elements (JUNE 12, 2021 madrevaca.org)

The latest project by the stimulating modern jazz quartet Madre Vaca is no less than the musical depiction of the four elements of the world.

Guitarist Jarrett Carter, pianist Jonah Pierre, bassist Thomas Milovac, and drummer Benjamin Shorstein each contributed one extended piece to a memorable jazz symphony that represents Fire, Water, Earth and Wind.

The collective Madre Vaca (which in English means “Mother Cow”) never plays the expected. Their previous project, 2020’s Winterreise, recast Franz Schubert’s song cycle as modern jazz performed by a dynamic and creative octet.

For their fourth album, The Elements, Madre Vaca transforms the four elements of the earth into music that is often quite cinematic and always inventive. Each of the members of the quartet (guitarist Jarrett Carter, pianist Jonah Pierre, bassist Thomas Milovac, and drummer Benjamin Shorstein) contributed an extended piece that challenged the musicians, blending together compositions with improvisations filled with color, character, and subtle surprises.

Shorstein’s “Fire” depicts both the good and bad of fire. Guitarist Carter takes the lead at first with the other musicians contributing stimulating accompaniment, pianist Pierre builds on the wondrous mood, bassist Milovac adds to the atmosphere, and drummer Shorstein takes a fiery solo before the four musicians improvise together at a rapid tempo, leading to the inevitable explosive conclusion.

Carter’s “Water” starts peacefully with the depiction of a lake and the beginning of a rain storm that picks up momentum as it progresses, building in tension as the water becomes a surging river.

Milovac’s “Earth” sees the planet as a beautiful place but one that is regularly beset by natural disasters. Its contradictions are very much prevalent in the episodic music which alternates a quiet but complex calm with passionate contrasts including a section in which the musicians dramatically speed up the tempo together.

Pierre’s “Wind” has the quartet emulating a breeze (the bowed bass is a major asset). A melody soon emerges along with a happy optimistic mood that concludes the four movements of the jazz symphony.

Since 2017, the members of Madre Vaca and their musical friends have recorded 13 albums on their Madre Vaca label and seven have thus far been released including four ambitious projects by the main group: Nexus (2018), Nero (2019), Winterreise (2020) and now The Elements.

The Elements is Madre Vaca’s finest hour so far, a musical portrayal of the world that we inhabit.

1. Fire (Benjamin Shorstein) 14:53

2. Water (Jarrett Carter) 09:03

3. Earth (Thomas Milovac) 09:13

4. Wind (Jonah Pierre) 07:31

Jarrett Carter - Guitar

Thomas Milovac - Bass

Jonah Pierre - Piano

Benjamin Shorstein - Drums

Recording Engineer – JeanCarlo Mendez

Cover Art – Andre Gruber

Mixing – JeanCarlo Mendez, Dan Moore

Mastering – Brett Thorngren

Pre-order

Stefano Travaglini - MONK (Notami Jazz Records)

MONK - Fifteen Piano Reflections

"The end result is that Monk’s music does indeed stand strong when played in a non-traditional manner, and that Stefano Travaglini possesses a brilliant imagination that can utterly transform well-known literature into new and fascinating musical experiences." Thomas Cunniffe

“The same music from two very different perspectives; Thelonious Monk was an artist ahead of his time while Stefano Travaglini is solidifying his place in the chronology of modern music.” Karl Ackermann, All About Jazz

“The stirring and inventive take on Round Midnight, for example, is hair-raising. Loosened up in tempo but still keeping the wondrous sentiment and structure of the original, this piece is one of the most beautiful on the record.” Filipe Freitas, Jazz Trail

A classic jazz album from the 1950s was titled “The Unique Thelonious Monk”. Rarely has an adjective been more apt, for Monk’s remarkable body of compositions took jazz through a prism rarely approached before. Monk’s cryptic instructions to his musicians—“use the melody”; “don’t play bebop on my tunes”—only scared away generations of jazz musicians from exploring his music. Monk’s percussive approach to the keyboard was initially dismissed as faulty technique, but it eventually influenced every pianist who tried to perform his work. If that sounds like a grand overstatement, just compare virtually every other jazz recording of a Monk composition to the distinctive approach heard on the enclosed CD. Now to be sure, there’s nothing artistically wrong with performing Monk in a forceful manner—obviously, both the composer and the jazz musicians who followed him prefer it that way—but what if we took away that percussive element and examined Monk’s music as pure music? After all, surprising and enlightening results have come when taking music out of its traditional element (think of the Swingle Singers’ recordings of Bach). The music of Thelonious Monk deserves—and could well benefit—from this kind of artistic scrutiny.

Stefano Travaglini has studied classical music as a composer, pianist, conductor and oboist, but he decided that his heart was in improvised music. Travaglini prefers the term “free improvisation” to “jazz” because he has recorded extemporized variations on a wide variety of musical styles. His debut recording, “The Hungarian Songbook” was based on folksongs, and he expanded his musical viewpoint on his recent solo album “Ellipse”. He credits his classical training for helping him develop his own unique language which crosses between the improvised and composed music of the last century. I would add that Travaglini’s detailed attention to motivic development is probably another benefit of his classical studies.

There is another crucial element from the classical tradition which relates to this particular album. We often hear of classical pianists who fall in love with the sound of a particular instrument. For some pianists, that preference is manifested into their contracts (for example, “Vladimir Horowitz is an exclusive Steinway artist”). The extreme example is this practice is that of Glenn Gould, who so loved his Steinway piano (serial number CD 318) that he bought the instrument and transported it to every concert hall and studio where he played! At a 2018 recording session at Paris’ Studio Sequenza, Travaglini played a Fazioli F278 grand and the combination of the instrument and the room inspired him to record this solo album offering a new—and some might say radical—approach to the music of Thelonious Monk. Travaglini prepared for this recording for several months, but purposely avoided writing out any arrangements. As he puts it, “I just decided what to do and where to direct the music but not how!” On the day of the recording, Travaglini sat at the Fazioli F278 and improvised his interpretations of Monk’s classic works. None of the resulting interpretations were cut or edited.

The Monk compositions which Travaglini chose should be familiar to most jazz fans. Yet, those melodies are not always easy to find. The opening track “Trinkle Tinkle” finds the pianist breaking the melody into tiny pieces and reassembling them in a new and surprising order. Travaglini’s delicate touch and liberal use of the sustain pedal bring an entirely different pianistic approach to this music, and an unknowing listener might misidentify “Trinkle Tinkle” as a thoroughly-composed piece from a 20th century classical composer! “Children’s Song” was originally adapted by Monk in two keys, and Travaglini uses the bitonal aspect as a starting point. The melody leads him into a startling direction, and the reiterations of the melodic germ are transformed each time they appear. In an alternate take released after Monk’s death, the composer created an abstract variation of “Well, You Needn’t” that—had the recording been released—would have altered the way the song was forever played. In Travaglini’s version, the original melody barely appears until the final minute of the track. His earlier choruses imagine what would have happened if Mozart wrote the tune. In contrast, the next track, “Ruby, My Dear” transforms the melody into atonal two-voice counterpoint.

“Criss-Cross”, one of Monk’s most revered compositions has been analyzed in print by several musicians and composers, and was the subject of an extended Third Stream composition by Gunther Schuller. Here, Travaglini develops the distinctive falling motive of the melody, letting the idea guide the harmonic movement until the final moments when the chords and melody are reunited. The dizzying ostinato which accompanies “Straight, No Chaser” leads into a fascinating musical vortex reminiscent of Lennie Tristano’s “Descent into the Maelstrom”. A welcome respite from the intensity comes with a gentle rendition of “Ugly Beauty”. Listen to how Travaglini captures the essence of both words of the seemingly oxymoronic title with a well-placed modulation and a shift in harmonic density. The melody of “Bemsha Swing” is fragmented. Note that Travaglini’s accompanying left hand figure is connected to the melody in such a way that it sounds like the two elements belonged together all along, despite being created nearly 70 years apart.

In a way, “Round Midnight” is the most straight-forward performance on this album. Certainly the melody appears reasonably unadorned and at times, Travaglini adheres to the original chord structure. But when he diverts from that harmonic sequence, he discovers new avenues which enlighten our knowledge of this jazz standard. In Travaglini’s hands, “Monk’s Dream” is more sinister than the original. We will never know the scenes which may have played during Monk’s slumbers, but Travaglini’s music might provide a clue. Similarly, “Introspection” leads us into the dark corners of the mind through this unsettling re-harmonization.

On first hearing, Travaglini’s version of “Evidence” might seem worlds apart from Monk’s original Blue Note recording. However, go back to that original recording and hear how Monk’s melody appears gradually over the course of the side—just like this new interpretation. Then marvel at where this choppy melody takes Travaglini! “Brilliant Corners” was originally conceived as a piece played in two tempos—one chorus in slow tempo, and the second in double-time. In what might be his most radical departure from the original compositions, Travaglini rejects the dual tempo idea and instead submits the piece to a contrapuntal treatment. “Misterioso” uses another powerful left-hand ostinato, but unlike “Straight No Chaser”, the right hand improvisations are just as forceful as the accompanying figure. The closing track dissects “In Walked Bud” through a dramatic slow tempo and a striking transformation of the melody.

The end result is that Monk’s music does indeed stand strong when played in a non-traditional manner, and that Stefano Travaglini possesses a brilliant imagination that can utterly transform well-known literature into new and fascinating musical experiences. Thelonious Monk’s original conceptions live on through his many recordings, and in the traditional cover versions by superb jazz musicians. Yet, it is because of the recorded legacy that recordings like this one are made possible. Just like Alice in Wonderland, we can see through the looking glass and find other glorious images.

1. Trinkle tinkle 03:33

2. Children's song 03:57

3. Well, you needn't 03:56

4. Ruby, my dear 03:57

5. Criss cross 03:51

6. Straight no chaser 03:26

7. Ugly beauty 03:53

8. Bemsha swing 03:51

9. Round midnight 06:19

10. Monk's dream 03:19

11. Introspection 03:55

12. Evidence 05:55

13. Brilliant corners 04:17

14. Misterioso 03:40

15. In walked Bud 03:55

Stefano Travaglini, piano

Recorded, mixed and mastered at Studio Sequenza (Paris) 2019, May 5

Sound engineer, Thomas Vingtrinier

Pre-order

Christopher Hoffman - Asp Nimbus (Friday, March 26th 2021 Out Of Your Head Records)

“Somehow, he manages to contribute a unique, fresh voice in a field that is crowded with excellent recordings.” --Avant Music News

Christopher Hoffman - Asp Nimbus (OOYH 009): With Asp Nimbus, cellist Christopher Hoffman very intentionally sought to make a more straight-forward recording than his 2018 release, Multifariam. Multifariam was an electro-acoustic tour de force in the vein of Miles Davis’ electric years, MF Doom, and the horror/sci-fi composer John Carpenter. Hoffman played mad scientist, chopping and pasting studio recorded snippets from Gerald Cleaver, Tony Malaby, Christina Courtin, Craig Weinrib and a slew of others into what was a 16-track masterpiece. Asp Nimbus is not that kind of album. Inspired by Bobby Hutcherson's Oblique and Happenings, and Henry Threadgill's Everybody’s Mouth's a Book (Hoffman is a mainstay in a number of Threadgill’s ensembles of the past 10 years), Asp Nimbus was recorded in January 2020 with the goal of capturing the group dynamic and raw live energy of their quartet performances.

That is a surprisingly difficult feat to achieve in the studio, yet this album exceedingly succeeds in doing so. With the exception of the piano contribution of David Virelles on Dylan George there are no overdubs, and we hear the music exactly as it was performed. The recording presented a new kind of challenge for Hoffman as a soloist, as he previously tended to write music that was predominantly collective in nature. Since Asp Nimbus is a more traditionally jazz-oriented album, Hoffman is featured heavily as a leading voice. He absolutely shines when placed front and center, and this recording is sure to further cement his place in the top-tier of improvising cellist/composers active today.

Hoffman chooses the title of each piece to reflect the vibratory state that he finds in the music. For instance, the first track Discretionary reflects a growing attitude in the world today--the idea of acting on one's own authority or judgment. The second track, Dylan George, was written for his late brother who passed unexpectedly in 2016. By chance they overdubbed David Virelles’ part on Dylan George while on break during a studio session for a new Henry Threadgill composition. Hoffman considered it an added blessing to have Henry in the room listening while they recorded. To hear Chris speak of it, it is obvious that this piece in particular means a lot of things to him, and ultimately it's a tribute to Dylan.

Knowing that he wanted vibraphone when forming the quartet in Fall of 2018, Bryan Carrott was an immediate and obvious choice, as Hoffman has long loved his playing in Threadgill's Make A Move, on Dave Douglas' Witness, and as a part of The Lounge Lizards. Hoffman and drummer Craig Weinrib play together a lot, most notably in Henry Threadgill’s Double Up, and are frequently recruited in tandem as side-people by the likes of Jonathan Finlayson and Roman Filiu for their deep connection. Bassist Rashaan Carter and Weinrib have a similar special relationship, and together are a propulsive force throughout Asp Nimbus. Cello, vibraphone, bass, and drums are an atypical instrumentation for what Hoffman considers to be a more traditional jazz album (in fact, I can’t cite one recorded example of this exact instrumentation).

By default the combination will pull your ear towards chamber music and contemporary classical, and Hoffman’s work in film, whether intentional or not, surely contributed to the cinematic arc that is present over these 8 tracks and 32-minutes. There aren’t many recordings of any genre to compare it to, and whatever the inspiration was for Asp Nimbus the result is unique. That alone makes it an album worthy of repeated listening, but the masterful performance of these four world-class improvisers, and the compositional maturity on display is sure to demand attention as one of the finest recordings of 2021. Asp Nimbus is due out March 26, 2021 on Out Of Your Head Records in both digital and vinyl formats.

“...a great example of how advanced and complex in great hands can sound simply great.” --Jazz Music Archives

 

1) Discretionary

2) Dylan George

3) Asp Nimbus

4) Angles Of Influence

5) Orb

6) Non-Submersible

7) For You

8) The Heights Of Spectacle

Christopher Hoffman - cello, compositions

Bryan Carrott - vibraphone

Rashaan Carter - bass

Craig Weinrib - drums

David Virelles - piano (track 2 only)

All Compositions By Christopher Hoffman

Produced, Mixed & Mastered By Christopher Hoffman

Recorded January 8 & 9 2020 by Lily Wen at Figure 8 Studios

Pre-order

Christopher Hoffman is a cellist and film-maker. He has the honor of performing in Henry Threadgill’s Pulitzer Prize winning ensemble Zooid as well as Double Up & 14 or 15 Kestra: Agg. Chris regularly performs with the Grammy nominated Anat Cohen Tentet, Anna Webber Septet (featured on her critically acclaimed Clockwise), Rudy Royston’s Flatbed Buggy, Michael Blake string band, Tony Malaby, and the Christopher Hoffman Quartet. He has worked with Martin Scorsese (Shutter Island) and has performed with Yoko Ono, Bleachers, Butch Morris, Marc Ribot, Christina Courtin, Spring Awakening, Anthony Coleman, Marianne Faithfull, Ryan Adams, Iron & Wine, Jeremiah Cymerman, Michael Pitt & many others He has performed at the Kennedy Center, Library of Congress, Newport Jazz Festival, Carnegie Hall, David Letterman, North Sea Jazz Festival, Umbria Jazz Festival, Saalfelden, SF Jazz, Chicago’s Symphony Center, Walker Arts Center and all over western Europe & the United States. christopherhoffman.com

Richard Ford's sensual 'Soon' cover (March 26th, 2021)

L.A.-based British composer/producer Richard Ford releases a cover of The Blue Nile’s “Soon”

As an accomplished composer, producer, and bassist, as an Emmy-winning music editor, and executive music producer for film, L.A.-based Brit-transplant Richard Ford humbly maintains a resume of impressive accolades. He has worked with many Oscar-winning filmmakers on such films as Sideways, Argo, and Hidden Figures and, all this as a kind of second career after spending his early adult life as bass player for British music icons like Joe Jackson, Bram Tchaikovsky, and revered guitarist Bill Nelson.

Ford is now set to drop his latest single, a cover of The Blue Nile song “Soon” (out March 26, 2021) just ahead of his forthcoming album BP2, to be released later this spring.

A long-time fan of The Blue Nile’s songs from the late 80s and early 90s, Ford notes that “Soon” showed up serendipitously on his playlist a couple of years ago and he immediately started thinking about the possibility of covering it for his upcoming project. The single pays homage to the original track with raw, sweet, and ethereal vocals by Canadian songwriter and singer Kessi Blue.

Richard's EPK

Kaktus Einarsson of Fufanu shares stunning new video for 'Kick The Ladder' (Oli Records)

Kaktus Einarsson

Album ‘Kick The Ladder’ released May 21st via One Little Independent Records

Kaktus Einarsson - Kick The Ladder (May 21, 2021 Oli Records) at Republic of Jazz

Watch new video ‘Kick The Ladder’

Alessia Martegiani / Andrea Modesti / Alfredo De Vincentiis - La Strada delle Api (2021 Dodicilune / Ird)

Un percorso all’interno della condizione di esseri umani: "La strada delle api" è l'esordio discografico del nuovo progetto formato dalla cantante Alessia Martegiani (autrice dei testi), dal compositore e polistrumentista Alfredo De Vincentiis (batteria, ta stiere, elettronica) e dal bassista Andrea Modesti. Prodotto dall'etichetta pugliese Dodicilune, nella collana editoriale Controvento, il disco è distribuito in Italia e all’estero da IRD e nei migliori store on line da Believe Digital.

Nelle dodici composizioni originali del disco, i tre artisti abruzzesi esplorano le emozioni del vivere quotidiano, le sofferenze e i desideri, riconducendole ad uno spazio esterno che abbraccia la Natura e gli altri esseri. L’incipit di “Interno 1” ripete con insistenza “I’m Ready for the Future”, ma qual è il nostro futuro? È forse inseguire i nostri sogni e i nostri inganni? Oppure abbandonarci alla crudeltà della solitudine? È cambiamento di pelle, rivoluzione, e questo ce lo insegna il serpente che senza indugio butta via quello che è stato per essere nuovamente. E la strada da seguire ce la indicano le api che vivono la loro esistenza seguendo dei ritmi naturali e chiari, senza sovraccaricarsi di inutili distrazioni. Le api organizzano il loro mondo riproducendo la meravigliosa geometria del cosmo e lo fanno attraverso un lavoro collettivo che semplicemente obbedisce all’ispirazione della natura. Il lavoro musicale, legato quindi alla composizione e alla produzione dei brani, risponde di una medesima organizzazione: i tre musicisti lavorano al progetto senza mai incontrarsi concentrandosi ognuno sulla loro mansione. Alfredo De Vincentiis invia un’idea musicale, sulla quale Alessia Martegiani imprime una melodia con un testo e dei suoni di voce, Andrea Modesti pone le fondamenta con l’inserimento del basso, e di nuovo il lavoro torna nelle mani di De Vincentiis che reinventa e imbastisce una nuova trama sonora. I brani prendono così una loro strada coerente con le storie raccontate, intrecciando, dalla prima all’ultima traccia, una possibile via di narrazione.

Alessia Martegiani si avvicina giovanissima alla musica cominciando con lo studio del pianoforte. Si appassiona presto al canto attraverso il jazz e la bossa nova. Intensa è l'attività concertistica in Italia e all'estero, collaborando con musicisti come Fabrizio Bosso, Marco Tamburini, Stefano Cantini, Fabrizio Mandolini, Max Ionata, Roberto Taufic, Nicola Stilo, Jaques Morelenbaum, Yamandu Costa. Ha ideato con Massimiliano Coclite e Bruno Marcozzi il progetto Trem Azul, con il quale ricerca e progetta esperienze musicali dal 2001. Dal novembre 2014 ha un progetto stabile con il polistrumentista (flauto, chitarra e pianoforte) Nicola Sti lo col quale si esibisce in vari club e festival jazz, tra i quali il prestigioso jazz club Montmartre di Copenaghen. Per il teatro ha collaborato, insieme a Paolo di Sabatino, a recital di Michele Placido; ha partecipato allo spettacolo “Bassa Continua, Toni sul Po” del regista Mario Perrotta (vincitore Ubu Teatro 2013).

Andrea Modesti, poco più che quindicenne, si appassiona al basso elettrico con l’ascolto di musicisti come Jaco Pastorius, Marcus Miller e molti altri. Inizia a studiare da autodidatta avviando un percorso con varie formazioni suonando Blues Funky e Rock. In seguito studia contrabbasso presso il liceo musicale pareggiato di Teramo con il M° Giancarlo De Frenza. Intensa attività live in molti club della penisola. Agli inizi degli anni novanta partecipa all a tour del cantautore Mario Castelnuovo. Dopo un lungo periodo lontano dall’attività musicale(2001/2014), torna in studio per registrare un disco(Antinoja – The Canvas Theory) insieme ad Alfredo De Vincentiis e Sabatino Matteucci che verrà poi pubblicato nel 2015 dall’etichetta Ideasuoni. Nello stesso periodo sempre con l’amico Alfredo De Vincentiis (batteria) e Simone Copellini (tromba/ filicorno)prosegue nel progetto Antinoja con materiale in via di pubblicazione.

Alfredo de Vincentiis nel 1991 inizia a suonare la batteria come autodidatta; nel 1993 frequenta il Conservatorio  dell'Aquila. Dal 1999 si trasferisce in Emilia Romagna; fra il 2000 ed il 2006 lavora come fonico in diversi locali emiliani  e a Cine Citta a Roma, nel 2006 inizia a lavorare in Inghilterra in diversi ambiti sia di produzi one musicale che  come batterista nel territorio londinese dove produce il disco YOU ( masterizzato in Abbey Road Studios). Negli anni seguenti, 2007/2012, produce diversi dischi. Parallelamente alla musica lavora nel settore teatrale: Russo – De Rerum Naturae, Boston Marriage di Gabriele Tesauri, Punto Triplo della compagnia Pietribiasi Tedeschi, E.S.C. spettacolo teatrale su Pier Vittorio Tondelli. Dal 2015 ad oggi continua a produrre dischi indipendenti e a collaborare con vari artisti nel suo studio, il DvabadStudio.

1 - Interno 1

2 - L’impeto dei dannati

3 - Hard boiled

4 - The dreamer and the cheater

5 - Scorpio

6 - The skin of a snake

7 - Terra-mae

8 - Silenzio

9 - Macunaima

10 - The nowhere ending road

11 - Inter-essere

12 - La strada delle api

All compositions by Alfredo De Vincentiis.

All lyrics by Alessia Martegiani.

Dodicilune edizioni.

Alessia Martegiani - voice looper

Andrea Modesti - electric bass

Alfredo De Vincentiis - drums, keyboards, electronics

Pre-order

Andrea Grumelli - The Red Project (2021 Dodicilune / Ird)

Prodotto da Dodicilune distribuito in Italia e all’estero da IRD e nei migliori store on line da Believe Digital, "The Red Project" è un tributo del bassista lombardo Andrea Grumelli alla vita e alle opere di Keith "Red" Mitchell. Il progetto discografico propone, infatti, nove brani tratti dalla v astissima collezione del musicista, compositore, cantante, autore e poeta statunitense riarrangiati per un nuovo ensemble nel rispetto dei suoi canoni estetici, in una miscela che richiama il suo sound cameristico e denso di melodia. Andrea Grumelli è affiancato dalla cantante Monica Giuntoli, dal vibrafonista Michele Sannelli, dalla sassofonista baritono Rosarita Crisafi e dal batterista Stefano Bagnoli.

Bassista, pianista, cantante, compositore e poeta, Keith "Red" Mitchell nacque nel 1927 a New York e, malgrado le innumerevoli collaborazioni con grandi esponenti del Jazz tra cui Jim Hall, Barney Kessel, Tommy Flanagan, Red Norvo, Gerry Mulligan, Andre Prévin, Phil Woods, Hank Jones, Clark Terry, Kenny Barron, Billie Holiday e Chet Baker, il suo lavoro solista e le sue composizioni restano ancora relativamente sc onosciuti anche nella cerchia degli amanti del Jazz. Celebre per la decisione di accordare il basso per quinte e il suo gusto per la melodia sia nelle linee di accompagnamento che nei suoi assoli, ha profondamente influenzato i bassisti dell'era post-bop quali Scott Lafaro, Charles Mingus e George Mraz, tra gli altri. Fu anche un compositore prolifico e scrisse 122 Songs che descriveva come "Tell like it is Music" definite poi dalla critica "Fiere e piene di amore” per il gusto per la melodia e il talento nella scrittura di testi. Poeta virile, appassionato e intelligente, di humor sagace e dalla ricca giocosità, fu anche autore di diverse poesie. Si trasferì a Stoccolma nel 1968 nel tentativo di sganciarsi dalla routine del lavoro in studio e rilanciare la sua carriera jazzistica ma anche di allontanarsi dalla società americana, in quegli anni connotata dalle forti problematiche socio-politiche e razziali. La sua ricerca musicale lo spinse a un nuovo approccio con lo strumento : più lirico, basato sulla melodia con assoli che ricalcassero quelli dei fiati, e più legato all’uso degli accordi. Prediligendo piccoli ensemble, riscoprì uno spazio intimo all’interno della sua musica dove fece confluire il suo approccio melodico inserendo nelle liriche anche la sua filosofia di vita. Fu insignito del Grammy Awards svedese nel 1986 e di nuovo nel 1991 per le sue incisioni come pianista, bassista e cantante, per la poetica delle sue composizioni e per essere uno dei bassisti più innovativi della tradizione.

Il bassista Andrea Grumelli, dopo aver studiato con i M° Gianluca Alberti, Alberto Viganò e Gigi De Martino, si diploma alla Civica Scuola di Musica "S. Licitra" di Cinisello Balsamo sotto la guida del M° Roberto Gelli e in seguito si laurea col massimo dei voti in "Basso E lettrico Jazz" presso il Conservatorio "Nicolini" di Piacenza con il M° Riccardo Fioravanti. Nei suoi progetti musicali si divide tra la sua passione per il Rock e l'amore per il Jazz. Collabora con la pianista e compositrice milanese Francesca Badalini (Cineteca Italiana) proponendo cine-conerti che uniscono gusto classico a sonorità contemporanee con ampio spazio all'improvvisazione. Ha registrato diversi dischi in ambito Rock (Progressive e non solo), con Soul Takers,  Winter Mist e  Verde Lauro. Dal 2017 collabora con il compositore Claudio Milano alla registrazione di brani in cui fonde musica contemporanea e Rock Progressivo. Negli ultimi anni divide l'attività tra progetti di stampo jazzistico con MS Vibes Trio (Progressive Jazz), Pitomba Quartet (Brazilian Jazz), The RED Project (basato sul lavoro del contrabbassista Red Mitchell) e progetti di stampo Rock.

1 - Talking

2 - Simple Isn't Easy

3 - Big 'N And The Bear

4 - Where's Don Ellis Now?

5 - It's Always A Friend

6 - A Declaration Of Interdependence

7 - I'm A Homebody

8 - You're Me

9 - Soft And Warm

All compositions by

Keith “Red” Mitchell

Monica Giuntoli - vocals

Michele Sannelli - vibraphone

Rosarita Crisafi - baritone saxophone

Andrea Grumelli - electric bass

Stefano Bagnoli - drums

Pre-order

Francesco Miniaci - Solo Monk (2021 Dodicilune / Ird)

Prodotto da Dodicilune distribuito in Italia e all’estero da IRD e nei migliori store on line da Believe Digital, "Solo Monk" è il nuovo lavoro discografico del pianista calabrese Francesco Miniaci. Il progetto è concepito come momento di approfondimento e di riflessione sull'arte, ma anche sugli aspetti umani, di un personaggio unico come Thelonious Monk. Gli arrangiamenti degli otto brani (Ask Me Now, I Mean You, In Walked Bud, Pannonica, Monk's Dream, Round Midnight, Ruby My Dear e Well You Need't) pensati appositamente per piano solo, offrono una personale visione di Maniaci della originalissima musica del musicista e compositore statunitense (10 ottobre 1917 – 17 febbraio 1982).

Diplomato in pianoforte presso il Conservatorio Fausto Torrefranca di Vibo Valentia nel 2008, Francesco Miniaci consegue nel 2020 la Laurea in Pianoforte Jazz presso il Conservatorio di Musica P.I.Tchaikosky di Nocera Terinese (Cz). Ha al suo attivo circa 100 concerti in Italia e all'estero ed è pianista stabile della TJO del Conservatorio Tchaikovsky di Nocera Terinese. Ha partecipato a numerosi workshop tenuti, tra altri, da Kenny Barron, John Hicks, Roscoe Mitchell, Uri Caine, Jerry Bergonzi, Bob Mintzer, George Cables, Francesco Cafiso. Ha suonato e collaborato con musicisti della scena jazzistica nazionale come Piero Cusato, Toni Armetta, Stefano Di Battista, Fabrizio Bosso, Daniele Scannapieco, Francesco Cafiso e tanti altri.

1 - Ask Me Now

2 - I Mean You

3 - In Walked Bud

4 - Pannonica

5 - Monk's Dream

6 - Round Midnight

7 - Ruby My Dear

8 - Well You Need't

All compositions by Thelonious Monk

Francesco Miniaci - piano

Pre-order

Walter Gaeta & Dante Melena - Little Things in Many Things (2021 Dodicilune / Ird)

Il progetto scritto a quattro mani rivela un sound nuovo e accattivante con influenze che vanno dal Jazz al Funky. Walter Gaeta (piano, piano elettrico e arrangiamenti) e Dante Melena (batteria) sono affiancati dal sax di Gianluca Caporale e dal basso di Maurizio Rolli e Emanuele Di Teodoro e in alcuni brani da Alex Sipiagin (tromba), Diana Torto (voce), Mauro De Federicis (chitarra elettrica), Jorge Gabriel Ro’ (tromba e flicorno) e Marco Salvatore (sax alto).

Diplomato in pianoforte e con studi di composizione, Walter Gaeta ha conseguito nel 2006 il Diploma Accademico di II livello in Musica Jazz con il massimo dei voti e lode presso il conservatorio “Santa Cecilia“ di Roma. Musicista dinamico e originale capace di esprimersi in un pianismo melodico, ritmico e autentico. Nelle sue composizioni unisce colori e linguaggi diversi creando spazi inesplorati in continua evoluzione. Imprevedibile e coraggiosa è la sua ricerca musicale. Ha inciso diversi cd, pubblicato sue composizioni e testi didattici. Ha collaborato con: Massimo Moriconi, Fabrizio Bosso, Max Ionata, Paolo Damiani, Thomas Sheret, Rachel Gould, Paola Lorenzi, Pedro Mena Peraza, Sherrita Duran, Cheryl Nickerson, Marco Tamburini, C. Arena, Kelly Joyce, Saba Anglana e tanti altri. Ha suonato in numerosi importanti festival da solista e con proprie formazioni in Italia e all’estero. Come arrangiatore e compositore si è sempre distinto arrivando in finale a Barga Jazz, Piacenza Jazz e vincendo il primo premio assoluto con il suo quartetto al concorso “Sound Track” di Foligno.

Dante Melena frequenta alcune fra le migliori scuole italiane ed estere (Saint Louis Jazz School, Jazz University Terni, C. P. M Siena, Drummers Collective New York) oltre a numerose Master Class. Attualmente svolge un'intensa attività didattica presso la scuola Civica di Vasto, la Nuova Scuola Comunale di Musica di Montesilvano, il Sound ville di Roma ed altre. Dal 2008 è docente di batteria dei Seminari "Gessopalena Jazz" organizzati dall'Associazione Musicale "Armando Manzi". Dal 2003 al 2006 collabora con il chitarrista Gianfranco Continenza con il quale ha registrato "The past inside the present" disco realizzato con la collaborazione di Bill Evans & Scott Kinsey, prodotto dalla "Esc Records" inoltre collabora con Antonio Onorato, Sherrita Duran, con la quale ha registrato alcuni brani del CD "Compilation 2009" Kelly Joyce, Linda Valori e molti altri. Dal 2008 è endorser Pearl e Sabian.

1 - Travel Days

2 - Golden Storm

3 - Prelude

4 - Rondo' for Max

5 - A Volte Capita

6 - Obsession

7 - Ada

8 - Hello Sun

9 - M.M.

All compositions by Walter Gaeta, Dante Melena except 3, 4, 9 by Dante Melena; 5, 8 by Walter Gaeta; 7 by Alfredo Impullitti. All arrangements by Walter Gaeta

Walter Gaeta - piano, electric piano

Dante Melena - drums

Gianluca Caporale - tenor, soprano sax

Alex Sipiagin - trumpet (4)

Diana Torto - vocals (1, 5)

Maurizio Rolli - electric bass (1, 2, 5, 6, 9)

Mauro De Federicis - electric guitar (9)

Jorge Gabriel Ro’ - trumpet, flugelhorn (1, 2, 5, 6, 9)

Emanuele Di Teodoro - bass (4, 7, 8)

Marco Salvatore - alto sax (9)

Pre-order

Andrea Goretti - A Light in the Darkness (2021 Dodicilune / Ird)

Bianco e nero sono i colori della tastiera di un pianoforte ma anche dello yin e dello yang della dottrina taoista. Oscurità e luce convivono, in un eterno alternarsi e in una reciproca necessità esistenziale. La musica del disco vuole rendere omaggio a questa filosofia attraverso undici composizioni estemporanee create in solitaria da Andrea Goretti. Il pianoforte è un’orchestra capace di esplorare gli abissi sonori e allo stesso tempo osservare un paesaggio limpido dalle vette alte e luminose di una montagna. La musica del pianista e compositore colpisce per il suo carattere introspettivo e meditativo. I virtuosismi si nascondono sotto la superficie nell'uso intelligente e controllato delle dinamiche e dell'armonia. Specialmente nel piano solo è in grado di evocare emozioni nascoste, intime, in un'aura di tranquillità estranea al mondo caotico e rumoroso di oggi. Il suo ambizioso obiettivo è di unire in maniera originale alcune tendenze del jazz contemporaneo alla musica classica e d'avanguardia.

Il disco si apre con "Hard to S(t)ay", “Difficile a dirsi” ma anche “Difficile rimanere”, una ineffabile necessità di fuga, di evasione, di libertà, e prosegue con "Canto I", un'improvvisazione nata dalle suggestioni della selva oscura dantesca, l’inizio del percorso verso la rinascita a riveder le stelle. In scaletta anche le due improvvisazioni "Neptune’s Blues" (ispirata allo spazio cosmico) e "I giganti" (dedicata alla famosa Sala dei Giganti, opera di Giulio Romano presente a Palazzo Te di Mantova). "T.T.T. X – Twelve Tone Tune X" è una composizione costruita con una linea melodica di dodici suoni, il cui titolo rende omaggio ai due famosi “Twelve Tone Tune” di Bill Evans. La track list è completata da un sogno diviso in due parti "Dreaming I" e "Dreaming II", dall'interludio "Question" e da tre brani registrati dal vivo durante un concerto a Roma "Impro I", "Lamento", brano ispirato a una rivisitazione personale del blues, "Il Grinch 2", dedicato al periodo natalizio interpretato in maniera non convenzionale.

Il quadro in copertina è un’opera di Donaera. Olio su tela del 2013, “In mezzo alla tempesta” rappresenta un mare in tempesta, in cui evocativi giochi di luci e ombre si mescolano, creando emozionanti contrasti cromatici. Intensi colpi di spatola percorrono il dipinto verticalmente. La poesia presente all’interno del booklet, composta appositamente per l’occasione traendo ispirazione dalla musica del disco, è a firma di Umberto Petrin. Question - questo il titolo scelto, con riferimento all’interludio - riverbera le vibrazioni della musica e le dona nuove suggestioni e orizzonti. La struttura forma della poesia ricalca l’elenco dei brani del disco, con la successione di undici endecasillabi (uno per ogni brano).

Classe 1990, Andrea Goretti intraprende gli studi musicali con un percorso di formazione accademica fino al conseguimento del Diploma di Pianoforte presso il Conservatorio di Parma. Durante questo periodo di formazione classica, frequenta masterclass con diversi pianisti e musicisti di fama mondiale. In particolare, con il pianista Fabrizio Ottaviucci approfondisce lo studio del pianoforte preparato di John Cage e la musica di altri compositori del Novecento, tra cui Giacinto Scelsi e Morton Feldman. Partecipa al programma Erasmus, studiando per un anno presso l’Accademia di Musica “Stanislawa Moniuszki” di Danzica (Polonia) col M.° Waldemar Wojtal. Durante quell’anno in terra straniera arriva la passione per il jazz, e si avvicina a questa musica prendendo le sue prime lezioni col M.° Leszek Kułakowski. Nel 2016 consegue il Diploma Accademico di primo livello in Pianoforte Jazz sotto la guida dei maestri Alberto Tacchini, Roberto Bonati e Roberto Dani, con una tesi su John Taylor, ottenendo il massimo dei voti.

Parallelamente studia composizione col M.° Luigi Abbate e sassofono col M.° Massimo Ferraguti. Di recente ha intrapreso un nuovo progetto in solitaria, “Silent Films Soundtrack”, in cui musica dal vivo film muti di inizio ‘900. È attivo anche come compositore di musiche per video e colonne sonore. Musicista eclettico, dedito alla ricerca e sperimentazione di differenti linguaggi musicali, negli anni ha avuto l’occasione di spaziare tra generi e stili diversi. Ha collaborato con Tian Ruohan, musicista di erhu (violino tradizionale cinese); ha partecipato a diverse conduction, dirette dal compositore e contrabbassista Roberto Bonati (Teatro Regio di Parma – pubblicata in DVD dalla etichetta Parma Frontiere Jazz –, Casa della Musica di Parma); ha arrangiato e interpretato in pianoforte solo le musiche del compositore mantovano Stefano Gueresi, partecipando alla registrazione del disco “Stefano Gueresi - Il Ricordo vol.2” (TRJ Records); suona regolarmente con diverse formazioni in festival internazionali di improvvisazione radicale (Oooh Festival, RARA Festival).

1 - Hard to S(t)ay

2 - Canto I

3 - Neptune's Blues

4 - Dreaming I

5 - I giganti

6 - Question (interlude)

7 - T.T.T. X

8 - Dreaming II

9 - Impro 1

10 - Lamento

11 - Il Grinch 2  

All compositions by Andrea Goretti (Dodicilune edizioni)

Andrea Goretti - piano

Giancarlo Schiaffini | Sergio Armaroli - Decontructing Monk in Africa (2021 Dodicilune / Ird)

Giancarlo Schiaffini (trombone) e Sergio Armaroli (balafon cromatico, water drum, calebasse, talking drum, mbira, shaker, bull-roarer, percussion), collaboratori di lunga data, propongono una suite di quasi un'ora nella quale l’improvvisazione, della quale sono autentici maestri, fa da raccordo tra Thelonious Monk, l’Africa e la musica contemporanea europea.

«Da Monk - che Schiaffini nel corso della sua carriera ha interpretato nei modi più diversi, dei quali qui si ritrova qualche memoria - i due hanno ripreso una decina di blues, usandoli soprattutto come pretesti, ispirazioni ideali di un percorso musicale tutto loro; dall’Africa hanno tratto alcuni ritmi e molteplici tipi di strumenti perlopiù percussivi (balafon, tam buri vari, mbira), utilizzati però in modo tutt’altro che africano, con sonorità nitide», sottolinea Neri Pollastri. «La componente contemporanea sta nel progetto stesso, trasversale e di ricerca, ma si fa palese nella base registrata che funge da terza voce, alternando suoni elettronici, canti, estratti di composizioni, altre percussioni che dialogano con quelle dal vivo. Il tutto, appunto, è legato dall’improvvisazione, che i due sviluppano dialogando sulle basi e lasciandosi trasportare dalla libera - talvolta liberissima - interpretazione dei temi monkiani. L’esito è sorprendente: una suite di quasi un’ora, nel corso della quale - quasi senza soluzioni di continuità - vengono inanellati temi come Straight No Chaser e Blue Monk, Misterioso e Something in Blue. Monk appare - citato ora dai toni acuti dalle percussioni, ora da quelli scuri del trombone - per poi scomparire: trasfigurato dai suoni registrati che, senza essere mai invadenti, lo trasportano in luoghi on irici, talvolta in un’Africa immaginaria, talaltra in spazi siderali evocati dall’elettronica; oppure assorbito dalle improvvisazioni del trombone, il cui canto borbottante è a sua volta in magico equilibrio tra l’Africa e la Mitteleuropa», prosegue il critico musicale. «Un Monk e un’Africa singolari, quindi: all’inizio spiazzanti, poi via via sempre più in sintonia tra loro; a momenti ipnotici, in virtù del reiterarsi dei temi e della voce meditativa del trombone; in altri invece rasserenanti, per la nitidezza dei timbri e degli impasti; comunque sempre spontanei, quanto lo è il dialogo che intrattengono il trombone e le percussioni - o, meglio, Schiaffini e Armaroli - quasi fossero vecchi amici che d’Africa e di Monk parlino assieme, con chiarezza e profondità. Ascoltarli è una gioia».

«La musica africana, oltre ai noti elementi ritmici, ha con il jazz altre caratteristiche comuni, come l'aspetto decisamente responsoriale e una certa ripetitività», scrivono i due compositori e musicisti nelle note di copertina. «Di Monk abbiamo voluto scegliere i Blues, curiosamente tutti nella tonalità di Si bemolle, spesso formati di un nucleo tematico semplice, con ampi spazi di respiro tipici del carattere africano del Jazz», proseguono Schiaffini e Armaroli. «Una semplicità che a volte sconfina in un primigenio minimalismo che mai si riduce a una semplice ripetitività. Abbiamo scelto un organico strumentale falsamente etnico (balafon, mbira, talking drum e altro) in dialogo con il trombone, cercando un senso a questo divagare tra paesaggi sonori primari e motivi melodici segreti. Il lavoro improvvisativo si dipana quindi come una terza via fra i temi monkiani, quasi mai citati direttamente, e il flusso acusmatico preregistrato».

1. Deconstructing Monk in Africa

Giancarlo Schiaffini: trombone

Sergio Armaroli: vibraphone, balafon, water drum, idiophone, talking drum, mbira, shakers, bullroarer, percussion

Pre-order

Matteo Benedetti - Piccole Onde (March 2, 2021 Dodicilune / Ird)

Prodotto da Dodicilune, distribuito in Italia e all’estero da IRD e nei migliori store on line da Believe Digital, martedì 2 marzo esce “Piccole Onde” di Matteo Benedetti. Il prog etto discografico nasce dalla volontà del pianista e compositore di affrontare e arrangiare in maniera eclettica il suo repertorio: quattordici composizioni che pescano a piene mani dallo chôro, dal samba, dal jazz, dalla fusion e dalla musica classica trovano piena realizzazione nell’interazione tra il pianoforte del leader ed il flauto traverso della concertista Sarah Rulli e le percussioni di Davide Bernaro, impegnato da sempre in progetti che coniugano musica etnica e colta. Un progetto acustico, dunque, dove i tre musicisti alternano lavoro di sezione e momenti solistici in un dialogo continuo che restituisce all’ascoltatore ogni sfumatura delle composizioni in un flusso esecutivo ricco di dinamiche e interplay, reso possibile dall’aver registrato il disco “live in studio”.

Autodidatta, Matteo Benedetti sin dall’adolescenza si dedica alla composizione. Ha suonato con varie formazioni di musica jazz. Ha realizzato due compact disc di sue composizioni, da lui interamente arrangiate con l’ausilio di sintetizzatori e strumenti elettronici. Negli anni novanta concretizza la sua innata vocazione alla composizione di musica per immagini. Collabora con il padre Massimo Benedetti al commento sonoro di documentari e cortometraggi, nonchè alla realizzazione delle colonne sonore del film “Il Generale” del regista abruzzese Dino Viani e del film “Il Trittico di Antonello” di Francesco Crescimone, che partecipa al 49° festival del cinema di Venezia. La colonna sonora di quest’ultimo ottiene il premio Nino Rota e, nel 1995, il premio nazionale della Presidenza del Consiglio dei Ministri, come miglior colonna sonora. Collabora con l’associazione teatrale abruzzese “Amici della Ribalta” realizzando il commento musicale per lo spettacolo “L’uomo, la bestia e la virtù” liberamente tratto dall’opera di Pirandello. Nel 2018 fonda l’associazione culturale MusArt assieme alla flautista Sarah Rulli. Con lei e con il percussionista Davide Bernaro realizza il progetto acustico “Piccole onde”, edito da Dodicilune: 14 composizioni originali suonate da pianoforte, flauto traverso e percussioni.

La flautista Sarah Rulli è una musicista eclettica, creativa, innovativa. Dalla classica al tango nuevo, dal barocco alla musica contemporanea, le sue performance sono cariche d'espressione, carattere ed eleganza. Originaria di Lanciano, ad oggi si è esibita in Italia, Germania, Austria, Belgio, Portogallo, Romania, Armenia, Georgia, USA, Cina e Corea del Sud, suonando presso Carnegie Hall, Palazzo delle Nazioni Unite, Sala Nervi, EXPO di Milano, Emilia Romagna Festival, Teatro Palladium di Roma.

Batterista e percussionista, Davide Bernaro è considerato uno dei massimi esperti del pandeiro (il tamburello brasiliano), ha suonato e registrato tra gli altri con: Gabriele Mirabassi, Silvio Zalambani & Grupo Candombe, Paul McCandless (Oregon), Michele Francesconi e Cristina Renzetti.

1 - Mondi lontani

2 - Out of blue

3 - Lo sguardo della luna

4 - Dreamlike vision

5 - Sonata in fa maggiore

6 - Piccole onde

7 - Alfa Centauri

8 - Velocemente nel vento

9 - Se passi di lì

10 - Your dreamy smile

11 - Per Noemi

12 - Chorinho per Serena

13 - Una lunga strada

14 - Luci notturne  

All compositions by Matteo Benedetti (Dodicilune edizioni)

Matteo Benedetti - piano

Sarah Rulli - flute

Davide Bernaro - percussion

Pre-order

Adrian Younge - The American Negro (2021 Jazz Is Dead Records)

ADRIAN YOUNGE’S THE AMERICAN NEGRO

Multi-Instrumentalist, Composer, Producer

and Former Law Professor Shares Powerful

New Album featuring Music & Spoken Word

Out Now via Jazz is Dead: LISTEN HERE

Takes an Unapologetic Critique Detailing the Systemic & Malevolent Psychology Afflicting People of Color, 

from Multi-Instrumentalist Composer,

Producer and Jazz Is Dead Co-Founder

‘Invisible Blackness’ Podcast Available Now via Amazon Music

& ‘T.A.N’. Film Trailer Due Next Week via Prime Video

“In Adrian Younge’s Ambitious New Project,

James Baldwin Meets Marvin Gaye” – VULTURE / SWITCH ON POP

"Unapologetically Black, bold, and beautiful are just a few notes

to share about Adrian Younge’s new song." – ESSENCE

"It all warrants a lot of deep study and consideration... a very impactful project...

it felt like being taken to school with this record." – NPR "ALL SONGS CONSIDERED"

“Younge’s album puts luscious orchestral arrangements and spoken-word

interludes to use in creatively unfurling the development of

structural racism in the US.” – THE GUARDIAN

"...composer/producer Adrian Younge who gives an impassioned

speech and takes you through a dreamy jazz sequence

in 'The American Negro" – SPIN

"6 New Albums You Should Listen to Now" – PITCHFORK

"The very talented psychedelic soul/jazz/hip hop/etc

musician Adrian Younge..." – BROOKLYN VEGAN

"a hardheaded manifesto, in spoken words and 1960s-rooted music,

about the pervasiveness of racism." – THE NEW YORK TIMES

"More down to earth, dirtier, politicized, riveting, and sad in

regard to its wrenching emotive politicized outlook is Younge’s

bold, new The American Negro." – FLOOD MAGAZINE

"an unflinching, provocative album... nod to Blaxploitation film scores, classic soul, and Younge’s own work with artists like Jay Z and Wu-Tang Clan." – WNYC NEW SOUNDS

"...an important contribution to the canon of African-American

political music and a heavy listen." – VANCOUVER SUN

Read More Interviews with Adrian Younge:

Flaunt | Grammy.com | Atwood Magazine

Adrian Younge just released The American Negro via his Jazz Is Dead label. The powerful album features music and spoken word from Los Angeles-based multi-instrumentalist, composer and producer and sees Younge sharing an unapologetic critique detailing the systemic and malevolent psychology that afflicts people of color. Younge not only wrote, but played every instrument of the album’s rhythm section; he also orchestrated a 30-piece orchestra and recorded them in his analog studio. Hear previously released singles “The American Negro” and “Revolutionize” and stream The American Negro HERE

Adrian Younge

The album is part of his multi-multimedia project released in conjunction with Black History Month -- his most ambitious and deeply personal project to-date. To better explain the intricacies of the album’s message, he has released the Amazon Music-exclusive podcast Invisible Blackness with Adrian Younge including episodes featuring Chuck D, Digable Planets’ Ladybug Mecca, Keyon Harrold, and more; and short film T.A.N., which will be available on the Amazon Music mobile app and Prime Video.

The American Negro is a powerful, multifaceted statement that reflects perennial injustices and serves to act as a lever of change during a time of mass disillusionment: an album for the people that details the evolution of racism in America. The American Negro is not for the faint of heart, including the album cover art--a recreation of “Lynching Postcards” that became celebrated the murder of African Americans at the hands of White Americans as vigilante justice at the turn of the last century, with no judicial reprisals. Modernly, death by asphyxiation is a tool Police officers have used in killing innocent Black Americans: the lynching of the Black Americans has to stop. 

Adrian Younge is a member of The Midnight Hour and has produced for entertainment greats ranging from Jay Z, Kendrick Lamar and Wu-Tang Clan. He’s composed for television shows such as Marvel’s Luke Cage (with Ali Shaheed Muhammad), and films including Black Dynamite. He owns the Linear Labs boutique record label and analog studio, and is co-owner of Jazz Is Dead. When he’s not working on scores for major studios or networks, he’s making albums that speak to his own artistry. 

THE AMERICAN NEGRO | TRACK LISTING

01 - Revisionist History

02 - The American Negro

03 - The Black Broadcast

04 - Revolutionize

05 - Double Consciousness

06 - Watch the Children

07 - Dying on the Run

08 - Intransigence of the Blind

09 - James Mincey Jr

10 - Disadvantaged Without a Title

11 - Mama (You Will Make It)

12 - The Black Queen

13 - Margaret Garner

14 - Race is a Fallacy

15 - Light on the Horizon

16 - A Symphony for Sahara

17 - America is Listening

18 - The March on America

19 - Paradox of the Positive

20 - The Death March

21 - Black Lives Matter

22 - Rotten Roses

23 - Jim Crow's Dance

24 - Patriotic Portraits

25 - George Stinney Jr.

26 - Sullen Countenance

Adrian Younge | The American Negro

The American Negro (album) | Available everywhere Feb. 26, 2021 via Jazz Is Dead

Invisible Blackness (podcast) | Available exclusively on Amazon Music Feb. 4, 2021

T.A.N. (film) | Available exclusively on Amazon Prime Video & Amazon Music March 2021

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